樂器喇叭種類的八卦，Yahoo名人娛樂都在討論

打從進設計圈10幾年來，我幾乎每年都會去看新一代設計展，累積下來看過的作品超過數萬件，可能是過去沒有 #畢業設計資料庫 的關係，很多同學經常會湊巧選到類似的題目，從0到1的過程裡，1年的時間大概能做的程度也就那樣，就會得到一個類似的結果，對於我這種每年都會去看的人來說，沒能讓我覺得有趣、或是沒看過，我很快就會略過，一所學校能待著看作品的時間，平均大概也就10-15分鐘。因為已經越來越少能讓我眼睛為之一亮的作品。
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作品原創性越高，我待的時間就會成正比的增加，這次成大工設「#重新設計畢業設計」的計畫中，我預先看了線上展覽，到現場後仍讓我花了兩個半天才看完。雖說個人喜好有些差異，但18組作品幾乎每組都有能勾起我興趣的地方，這真的太 surprise me 了！沒想到水準會這麼整齊。他們本來今年就選擇不參加 新一代設計展_yodex，也沒報名 金點新秀設計獎 ，#你太神的總召許宣智 說與其參與畢業聯展等著 keyman 上門，不如自己來辦展，邀請他們心中希望的keyman來還比較精準，想想也對。
　
#他們甚至針對畢製給分方式提出比例原則，指導老師只針對平時表現給分，上下學期加起來僅三次的發表評圖不給分，轉而由外面的業師評分。
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OK等等。　
上下學期加起來總共只評圖三次？
上下學期加起來總共只評圖三次？？？？
#上下學期加起來總共只評圖三次！！！
　
我的天啊只有三次誒，如果同學沒有極高的自律，最後一定會剉粥，但他們居然還是完成了！我真心佩服同學的企圖心以及成大老師的勇氣與實驗性，所謂教學相長也不過就是這麼一回事。已經很久沒挑作品挑到這麼頭痛（好的意思），如果只論第一眼印象，大概有一半我都想選進後浪賞入圍，但這樣有點over，煩惱很久，我先選幾個印象最深的跟大家分享，現在沒被我選進後浪入圍的作品也不需太難過，因為搞不好我最後還會多選也不一定。
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#便宜行事
#李承霖 （Darren Lee）
　
這兩年借用公有街道元素帶入私領域的作品越來越多，不過便宜行事想探討的不是街道造形元素，而是台灣人血液中那個我稱之為「能屈能伸」、李承霖稱之為「便宜行事」的民族性。台灣街道的「黃線」是一個公領域的曖昧空間，臨時可以停的臨時是多久？好像可停車但其實不太行，我喜歡他著眼於黃線的曖昧感，將戶外辦喜酒或路邊攤最常出現的鐵椅做為載體，讓黃線在鐵椅上交織出各種型態。他的攝影作品也很有趣，把台灣街道上各種「便宜行事」的影像紀錄、拼貼，這個作品非常適合做成一個藝術專案，把影像與柏油路面結合成一個展示。
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#VOID | 域
鄭靖非 ｜ Elvis Hsu ｜ Claire Hsu

能提供光線與影像體驗的藍牙喇叭也不是沒有，但VOID將這種聲光效果提升到一個很有質感的世界，像是海平面一樣帶給觀者平靜，當使用者觸摸邊緣，往上滑過時音量不僅變大、海平線景色也會突然變化拉近，凝視畫面的觀者會因影像變化而失去遠近感，進而產生一種類失重的感受，就像是要被眼前這個畫面吸進去一般。當然戴上VR裝置也能輕鬆達到這個效果，不過我很喜歡這個作品以一種類比的形式達成種感官的化學效果。要是有量產的話我真的是會買。
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#炊奏 Foody Vibe
楊郁葇 （Grace Yang） ｜ 鄭婷允 ｜ 李建承 ｜ 方芊文
　
製作料理的過程往往都是主廚的個人表演，路邊攤的總鋪師也不會輸拉麵店甩麵的師傅，這個作品試圖將料理的過程加上音樂的互動回饋，藉由攝影鏡頭擷取料理的影像作為數據，計算後在後台回饋成音樂變化的參數，當你料理時，就會因為你手部動作的回饋使得單調的音樂產生變化，也像是在指揮一個交響樂團一般。我很期待他們除了料理之外，可以擴大想像，不一定只有料理，或許切西瓜、或許調酒、或許手沖咖啡，或許就做碗挫冰。讓料理過程成為戶外、室內都能隨時上演的互動實境秀。
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Kindness Catalyst | #善意催化劑
邱芊頻｜ 林祐生 （Kyle Lin）｜ 許皓瑋
　
這套餐具以台灣人用餐的禮儀做為基礎而設計，進而希望產生餐桌上的互動，使得人們可以藉由互動自然開啟話題。我蠻喜歡玻璃花朵造型瓶塞以及可以互動的叉子，好像可以直接上集資。花朵造型是希望倒飲料時可以倒在花朵上，飲料就會自然流入到底下的杯子去，水果叉則是刻意做了一個機構能勾到別的叉子，拿起一組叉子就自然會想分一隻叉子給隔壁。我覺得叉子的造型如果能有很多刺，讓他能很輕易勾到其他更多叉子的感覺會更好。整個餐具組設計最適合的情境，我想就是喜宴場合。因為共桌吃飯的人通常你不是每個都認識，我們都需要這樣有趣的餐具打破尷尬沈默，「傳遞善意」
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MINHAND | #電子樂器操作概念設計
Eden Lee｜ 陳亭方｜ 談德泉 （Tntchn Tan）

一開始在線上展看到這組作品的時候其實感到各種迷惑，看過這麼多作品的我，就算讀完說明也猜不透這看起來像把武士刀的玩意兒到底是什麼東西。到現場聽同學現場解釋示範後，才發現這居然是一個同學們發明的新型電子樂器！操作方式說難也不難，說簡單也沒那麼容易，長長的銅管像是琴弓，左右移動時就能讓原本灌在機構裡頭裡的音樂產生質變，圓球狀的物體內藏陀螺儀，當手勢前後擺動時就能升降曲調，如果再加上奏者的肢體動作，一個劃時代的全新表演音樂類型就產生！雖然造型上我覺得還有很多細節可以修整，但我非常喜歡這個作品！一問之下果然同學有在玩樂器，能把自己的興趣變成畢業設計，永遠最吸引我。
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#最後的領地
陳法鈞｜ Hio U Leong ｜ 王凱薇 （Vivian Wang）
　
後浪賞評選挑這麼久，我從來沒選過桌遊類的產品，有可能是因為我除了大富翁之外沒玩過其他桌遊，但這組桌遊真的有打動我。同學野心很大，希望藉遊戲過程讓小朋友可以了解地球暖化、海平面上升的嚴重問題，但坦白說我根本不在乎，因為這遊戲過程本身就很吸引人，遊戲開始時水面就會逐漸上升，參與者要在浮島上蓋房子，也可以搶奪對方的房子，過程裡房子可以疊很高、也會因浮力而讓房子倒在冰水裡，超級適合一群酒醉的大人玩！
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非常感謝成大工設邀請我回台南看他們的畢展，收獲非常多，他們展覽至6月6日，大家可以回高雄罷韓行使公民權順便到成大看一波。我保證，你不會失望。
　
2020｜國立成功大學工業設計學系畢業設計計畫
展覽日期｜2020.05.31（日）- 2020.06.06（六）
展覽時間｜10:00-17:30
展覽地點｜成功大學未來館（台南市東區大學路1號）
　
快來報名後浪賞
第七屆後浪賞 7th Designsurfing Award
　
#7th後浪賞 #DesignsurfingAward #書上設計展　
#2020新一代設計展 #畢業製作
#不只是設計
#EnjoyEveryStep

{{ 肆. 談談現場演出實務經驗 }}_03

上一篇談到關於在聲學條件不良的小型練團室，做為樂手可以先自律的幾個觀念，重點在於：

1. 從樂器本身尋找一切可用的手段來節制低頻；由於各類樂器或有重疊的低頻頻段，因此要試著界定每個樂器的頻率區段。(這個主題其實會牽涉到編曲的基本概念，以及各類樂器在『合奏』過程中所選擇的『把位』，未來在聊到編曲相關的議題時，容我再做進一步的心得分享)

2. 高頻的回授可能來自不良(甚且不需要)的音箱收音或過小音訊的不正常放大(通常來自人聲麥克風)，因此需要在合理的範圍內，做物理性的調整(搬動音箱以及加強人聲的正確發聲)。

3. 人耳能承受的頻率/音量的總合是有限度的，因此，所有的音訊調整應該首先以『減法』的觀念來執行。

4. 為了讓你能成為音樂產業的明日之星，所以在今天你一定要練習Click；所以你一定要將每一次的練習都用錄音的方式紀錄下來，以求檢討改進。

在經歷過這樣的團練要求，我推測你與你的音樂夥伴應該已經有了一個足夠上台演出的節目內容，而毫無意外地，你也已經在某一個中、小型的展演空間準備一試身手；不過，在你即將演出的前夕，我希望你能看一下接下來的文字與相關連結，因為，我期待明天我能看到一場沒有遺憾的表演。

[一. 與音響工程人員的工作互動_03]

明天你所選擇的演出環境，一定會比練團室多出四個條件：

1. 一般說來，地板型監聽。

2. 不太能確定好不好相處的音響工程人員。

3. 更大的空間。

4. 觀眾。

這代表的是，一位你不熟悉的音響工程人員，將在你的表演過程中，將他所不熟悉的音樂內容，在他熟悉、而你不熟悉的環境裡，介紹給你的聽眾。

呃…如果你沒有多做一些努力，在上述的客觀條件之下，要能達成『一場沒有遺憾的表演』，我覺得……

我不知道你會怎麼做，但我會這樣試試看：

1. 非常確切地，在更早之前與當晚會負責的音響工程人員取得聯繫，有禮貌地將你先前的團練錄音檔案、以及你和你的音樂夥伴所使用的樂器種類與聲音訊號的串接方式，做成一份『有溝通功能』的圖表或文字檔，一起寄給他。

2. 一定要、 非常確切地，與這位音響工程人員約好提早執行Sound Check的時間，而且，千萬不要遲到！

從我的經驗來說，音響工程人員通常都會比約定的時間提早到達現場來做一般性、標準化的前置準備工作，但我也常常發現，由於音響工程人員大多不太知道今天的演出單位到底具體有什麼內容，因此很容易會發生佈線錯誤的徒勞之務；上述所提到的兩個預先措施，你比較能讓你的音響工程人員在事情還沒開始之前，在腦海中就能夠有一個大致的架構，因此，他能更準確地準備相關的器材，以及在他的音樂美學判斷之下，設想你們音樂內容的呈現方式。

你可能會自我防禦地反問：『我怎麼知道他有沒有聽、看這些資料？』

我的看法是：你提供了資訊而他沒有研究，那是他不夠專業，而他一定會在一段時間之後，被比他更具備了專業態度的同業所淘汰；於此同時，你自己是往更專業的道路更進一步，所以，究竟是誰會損失？

另外，因為有了更具效率的前置佈線準備，音響工程人員因此能有更好的體力狀態來協助Sound Check的進行；而Sound Check的品質，幾乎決定了演出的水平，那麼，為什麼不試試看做這些準備？

至於在Sound Check過程中，我也有幾點想法可以說說：

1. 由於多出了地板監聽，你應該可以知道，『發聲來源』也就多出了一個來源。以電吉他手為例，在整個現場可以聽到的聲音會來自你的音箱、你的地板監聽，以及，最主要的外場喇叭；而這個事實對於所有樂器來說都是，也因此你應該可以想像，要如何平衡所有聲音能讓整個空間---特別是對觀眾來說---的聲響、頻率、音量，聽起來舒服，會需要多麼相互配合了！(如果你不是很瞭解這個互動關係，可以參見這個系列文字的第一篇：https://www.facebook.com/rayhuang.guitar/posts/150882372185982 )

2. 我們常常會下意識地認為：既然有地板監聽，我就要想辦法聽清楚每一個樂器的聲音，因此你會試著把樂團裡的每一個樂器都要放進地板監聽裡；而當每一位樂手都這麼做的時候，思考一下上述第一點，以及『空間裡聲音的總合是有限制的』這些客觀條件，其實音響工程人員在外場能做的事情會變得非常有限，而觀眾勢必不可能有好的聆聽條件。

在此，我非常想讓你認真地研究這一個Youtube連結：https://www.youtube.com/watch?v=B0zDq_A7bVo (註)

我特別想強調影片的後段所提到地板監聽的調整觀念：樂手應該先就本身樂團在舞台上的合奏，調整彼此的音量(如果你在上一篇有了一些研究心得，在這一點上，你應該可以有很好的體認與調整方式)，而『監聽』只是提供『必要』的元素，而不是『整個清楚的樂團Mix』。以我自己在公館河岸這樣的場域、與標準的樂團編制(雙吉他、鼓組、貝斯、鍵盤樂器、人聲主唱)，我的地板監聽只會請音響工程人員提供Hi-hat(是只有Hi-hat而不是整個鼓組)以及少量的貝斯(這是我個人對音樂喜好的選項)，而其他的元素，如果從我站立的位置已經能夠提供我可以工作的狀況，我其實是不會再要求送進我的監聽的。

3. 許多樂手，特別是電吉他手，會非常苦惱於『音色/音量』的平衡，尤其是如果這位吉他手鍾愛真空管音箱，他知道音箱就一定要『催大』到一個音量以上，音色纔會好聽，但此時又會因為音量過大，影響了整個空間的聲響平衡。在此，我的建議是：

A. 如果你的音量大到『惹人皺眉』的狀況，請試著將音箱背轉過來面對背牆(也就是音箱箱體的背面面對觀眾)，音響工程人員還是進行正常的正面收音(只是麥克風會跑到相反的位置)，這種做法，可以讓音響工程人員至少在外場還有一點點推送吉他的可能。

B. 如果你的音量大到『天怒人怨』的狀況，請試著將音箱搬離舞台，擺放到不會影響整個空間音量平衡的地方來收音，而單純用地板監聽來聆聽。(有趣的是，這種做法，即使是在小巨蛋那種環境、大到走不完的舞台上也都常常會採用，原因無他，就是為了要讓舞台上的聲音訊號越乾淨越好)。

C. 如果你一定要追求Marshall Plexi 100W後級音量全開的那種音色…我覺得全臺灣應該沒有適合你演出的展演空間了。

究竟『音色要求』與『工作音量』要如何拿捏平衡，其實這牽涉到下面第四點的心理層面。

4. 我們當然希望提供最好的表演內容給聽眾，因此，有的時候，我們會認為『最好的現場演出就是能將錄音室製作物的水平重現』。我不敢妄自判斷這個觀念，但我可以告訴你一個故事：美國最偉大的樂團Eagles在幾近解散的14年之後，於1994年重新合體發行了『Hell Freees Over』這張專輯(https://en.wikipedia.org/wiki/Hell_Freezes_Over )；應該是在同年吧？他們的宣傳巡迴演出到了日本(http://eil.com/shop/moreinfo.asp?catalogid=640228 )，做為一位Eagles的腦粉，衝去日本看他們的演出也是一件很合理的事吧？開演前一個小時坐定之後，整個等待開演的時間，現場一直重複播放著『Hell Freees Over』這張專輯，那當然是製作得非常精良的作品；只是，當真正開演之後，我完全有了不同的體認：『他們的現場根本就是CD重現啊！(驚歎)』以及『他們的現場根本就是CD重現啊……』

我覺得現場演出的迷人，就在於那些難以掌握、無法預期的各種情緒，交織在一起的化學變化；而現場演出的環境，當然不同於錄音室的條件，因此，在執行現場演出的聲音調整時，請不必抱著『要調出完美音色』的心情來進行，因為，現場演出會有一個在錄音室做不到的因素：觀眾會『看』到、而不是只能『聽』到你的演出。

而『工作音量』指的是：足以讓音響工程人員可以執行現場聲音訊號正常放大的音量，因此，當音響工程人員希望你能夠降低你的音量時，非常大的原因是因為在你的發聲端已經讓總體空間音量無法再執行『聲音訊號正常放大』的工作所致。

5. 反過來說，許多樂手會在Sound Check的時候用比較小的音量、但演出時因為擔心音響工程人員不會在外場推自己的音量，所以直接自己加大音量。我想，如果你已經閱讀到這裡，就應該知道這樣做只會破壞你們在空間裡的樂器平衡、而多不可取了吧？這一點，其實在鼓手身上常會發生，我只能建議：『演習視同作戰』，所有的Sound Check請依照演出時的音量來進行。

6. 行有餘力，請多閱覽音響工程的相關知識，包括了音控台可以、以及不可能為你做到的事。如果你現在的演出場地，內場監聽與外場PA都是由同一台音控台來執行，你就必須知道，許多聲音的細節，一旦滿足了你的內場監聽，其實同時也會影響外場的聲音；而在演出的當下，你很少有機會站在外場當觀眾，因此，請以外場的聲音為主要考量，在內場用物理性的調整(移動相關的器材位置、節制調整發聲端頻率)方式，來讓你的音響工程人員與你一起完成整個演出。同時，如果你能夠用音響工程人員所理解的專業語言來溝通，我想，應該都可以讓工作的執行更順利。(這裡我必須先排除一種特例：不懂裝懂的溝通語言；以及，不知從何而來的高傲態度)

7. 最重要的一點！你的觀眾們本身就是聲音的吸收體，這也是為什麼你在空場Sound Check完之後，等觀眾進場開演時，你在台上所聽到的一切會像是另一個世界的原因。包括我自己年輕時，總是會懷疑為何音響工程人員要在Sound Check之後又要再另外多動那些手腳、搞砸整個工作聆聽狀態；這要等到我自己有機會擔任音樂總監、可以在Sound Check與演出時，都待在音控台時才真正理解，觀眾，會是多大的聲音變因。所以，如果你在Sound Check的過程中覺得外場(或說空間總體)的音色有點偏亮，請相信，這是你的音響工程人員為了即將進場的『觀眾變因』，所預先做的準備。而另外一個健康的想法是：請提高你的演出頻率(次數)，來讓自己適應這種聲音在空間裡的變化。

現場演出充滿了迷人的魅力以及惱人的困境、情緒，這大概是僅次於『愛情』的另外一種有趣的能量變化了；當然，全世界的音響工程界也都還在努力要消弭那些難以控制的變因，因此而發展出『內耳式監聽』的器材與技術，這個系統，我們可以晚一點再談，因為，有另外一個麻煩的狀況，我們應該先去解決：全臺灣各大專院校盛行的『跨校際吉他社團音樂競賽』！每每在那樣的場域，我都可以感受到音樂愛好的年輕學子，非常認真地準備了要參加音樂競賽的曲目，卻往往被現場自己所不熟悉的『擴音』方式所影響，因此沒能呈現出最好的表現。所以，下一回合，讓我們來聊聊這類型現場演出可以有的訓練與認知。

在此之前，與其擔心音響工程人員會不會故意搞砸你的場子，我覺得花那個時間去換一套新的弦還比較實際；因為，不是只有你在創造音樂，音響工程人員，每一次，也都在進行一個新的音樂創作。

祝演出順利！

(註) 這個Youtube影像連結，我要特別感謝『九太音響工程有限公司』的技術總監蔡明峰先生，他為這個影像資訊所做的中文翻譯，以及一系列相關的知識推廣！長久以來，臺灣的音響工程界有許多像蔡明峰先生這樣的幕後英雄，一直為了提升臺灣的音響工程水平而默默貢獻；也許你在舞台的燈光下，會因為耀眼的照明而看不清出他們為你付出的汗水，你甚至會模糊了他們的形象，但如果你願意在演出結束時，在舞台上向這些幕後英雄致謝，我覺得，他們也會記得你對他們的尊重。

什麼是與你的音響工程人員互動的最好方式？不就是心存善念的相互尊重？

而最終，能讓你進入真正專業領域的，不是你的技術，而是你的心。

蔡明峰 （Ming-Feng Tsai）
Nine Tai Audio 九太

{{ 貳. 談談電吉他相關 }}_08

[二. 電吉他相關器材研討]＿06

上一週我以主觀的經驗認知，將『破音類』效果器做了五種分類，以及擺放順序的說明；但那終究只是一種非常粗淺的示意，如果試著要認真分析各種實務操作經驗上應該注意的細節 … 單靠文章、文字的解釋，恐怕只會落個掛一漏萬的境況。不過，還是有幾個主要的大原則，可以在這個專頁裡野人獻曝一下：

1. 各區段破音的頻率 (EQ) 值設定：在這種『破音堆疊』(Drive Stacking) 的運用方式上，除了先前提到過『越厚重的破音擺放位置越後面』的基本概念之外，通常放在越前面、破音程度越低的效果器，我會習慣將它的 EQ (Tone) 調得比後面的器材『稍微』亮一點，這樣的設定，可以讓前面一顆破音啓動去『推擠』後面區段破音時，得到音色上明顯的變化。而且能夠有一種『Open』的色彩感。

這也是為什麼在最一開始你在調整你的『音色搭載平台』(Amp Clean Channel) 時，應該盡量讓整體基本音色在比較適中而可能缺乏一點個性的原因：如果你主要的破音都來自效果器，而你用了好幾顆效果器來『合成』你最後的音色形狀，你就會需要在『平台』這個最後端，留下足夠的『可 EQ 空間』(也許可以視為另外一種【Headroom】吧？)，來讓最後整體的頻率不會太過刺耳。

事實上，許多的破音效果器，在增加 Gain 值時，整體的頻率也會跟著改變 (而且不乏變化得非常戲劇化的)，因此，我會習慣將最後一顆破音 (通常是 Distortion ) 的 EQ 設定得非常中性，來用前面一個或兩個區段的破音推擠出最後這顆破音的亮度；而如果在音樂需求上我只要用到這顆相對來說沒那麼明亮、但 Drive 濃度夠，可是又需要比踏板原始設定上再明亮一點的音色，我就會用串接在後端的 EQ 效果器來修飾它。你很可能常常看到各類型吉他手在彈奏過程中，不斷彎下身去調整腳下的效果器盤，但因為我很不希望自己分心去做這種即時性的調整，所以我選擇用後端的 EQ 來協助我需要的頻率補正 --- 這也是我習慣用數位式效果器的另一個理由：因為，我可以在同一個 Preset 裡設定好幾種不同的 EQ 效果器，來因應不同情況的頻率需求。

2. 各區段破音的音量設定：我猜想每一位上台演出的吉他手，在初期階段，當進行 Sound Check 的工作時，一定都聽過外場的 PA 工程人員對你叫嚷過：『你的破音比 Clean Tone 大太多了』！當你很委屈地試著減小效果器的音量時，你會很驚恐地發現，要達到外場 PA 工程人員滿意的音量比，你會覺得破音的音量幾乎是小到無法適應的！

為什麼呢？因為你在家裡調整你的破音音色時，幾乎不可能是用演出的工作方式來調整 --- 也就是架起麥克風，將你的訊號收進麥克風，再經過訊號放大工程，放到一個夠巨的外場喇叭來監聽，也因此，你很難理解『麥克風收音』對於破音放大的敏感程度到底有多敏感 --- 我只能很認真地說：它真的非常敏感！

整個關鍵在於，當你在 On/Off 你的破音效果器，你在家裡練習時就必須讓這兩者的音量差別遠遠小於你的習慣 --- 當你踩下破音時，應該讓你的音量像是沒有被改變、而只有音色上的差異而已。如果你是用 Drive Stacking 的方式，你所疊加的破音，應該只有『濃度』的差別，而不致於有太誇張的音量差距，這也是我會把『EQ』值放在第一點來討論的原因，因為在實務操作上，『頻率』會比『音量』，在改變破音色彩上，來得更有效率。

另外一個重點，其實是因為你大多數的時間都不是用 Clean Tone 來練習你的基本功，因此，當使用到 Clean Tone 時，你會下意識地彈奏得比較輕，或迫不及待地趕快切換到破音，來獲取一種安全感；久而久之，你對於 Clean Tone 與 Drive Tone 的音量感知，就無法建立起一種相對客觀的正確習慣。我只能再一次強調：『如果想要得到真正的進步，你就必須面對自己的弱點、正面去挑戰它』！而我覺得最有效率的基本練習方式，應該是用更多的時間、用更偏向 Clean Tone 的微破音色去彈奏 (當然要聽著 Click)，才是正解。

而我們在整個破音串接的最後一顆、用來推動 Solo 音量的 Clean Booster，當你在進行外場 Sound Check 時，只需要告知 PA 工程人員：『現在是 Solo 時的音量』，然後再啓動它；你的 PA 工程人員會知道這是他在控台上關於你的這一軌樂器所可能會呈現的最大音量，他就能相對合理地給予你整體音量的伸縮範圍，你們就可以共同完成一種『專業』的工作表現。

3. 單線圈/雙線圈 Pick-up 對於破音的差異：如果你習慣用這兩種不同款式 Pick-up 的琴來練習或工作，你應該已經發現，如果我用了雙線圈所調整出來的各區段破音，在頻率與音量都很理想的狀態下，立刻換一把單線圈的琴來彈奏，在 Clean Tone 的狀態下音量會顯得比較小、而 Drive Tone 的音量會爆增許多。在我的經驗裡，單線圈對於破音的反應敏感度其實是大過雙線圈，也因此，你幾乎無法以同一種音色的調整參數，期望兩款不同拾音器種類的琴都能表現得同樣『順暢』。如果你並不是一位調整參數非常快速的吉他手，我會建議針對兩款不同拾音器種類的琴，你可能要有兩組不同的『破音群』；或者說，如果你只能準備一組破音群，那麼你針對演出工作所準備的第二把『備用琴』，請盡量選擇與主要工作琴相同款式拾音器的配置，以免當你必須更換第二把琴時，你的整組破音與 Clean Tone，又會發生讓 PA 工程人員措手不及的慘劇。

4. C/P 值：我覺得大多數吉他手的共同悲劇，就是沒有足夠的錢可以把全世界所有的、包括隨時隨地會冒出來的各種破音全部都買回來玩耍 --- 反過來說，你如果夠幸運，可以不斷添購新玩具來嘗鮮，你也必須有足夠的時間，才能讓這些玩具有存在的意義。

到底什麼才是我們應該購買、而且價格/性能的比值是最好的選擇策略呢？我的確有幾顆還算是夢幻逸品的破音，而且也都價格不菲；但在我整個音樂工作歷程裡，它們實際的功能貢獻，是遠遠小於其他可能不到這些夢幻逸品價格十分之一的同類產品，所以，到底誰比較『有用』、而表現了更好的 C/P 值呢？

對於整體電吉他器材組合的購買順序考量，我想再次建議：你需要先選擇好你的琴，然後以『箱體優先』的概念去選擇音箱頭/箱體的組合，然後在大量資訊研究後去選擇幾款『基本必備』的破音效果器，然後～開始去講究你的真空管後級、講究你的線材，然後可以開始認真思考你需要的前級種類 --- 因為真正優秀的破音，還是來自好的前級 (到這個階段，你的音樂屬性也應該已經成形、定型了！)，然後才是你可以放縱自己去挑選那些奢侈而很少實際用到的玩具的時候 --- 前提是你的確已經在這個階段之前，靠自己與你的吉他成功地養活了自己與家人，而且生活無虞。

而我大膽預言：到了最後，你只會需要一把好的琴、一組非常優秀的音箱頭/箱體，以及一顆棒透了的 Fuzz pedal，用超好的訊號線把它們連接起來，接上充沛而乾淨的電源，你的音色就 --- 肯定宇宙無敵！

而會讓這一切打折扣的，只剩下你彈奏的用音了。

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後記. 關於『堆疊破音』，這一篇來自網路商店『Reverb』的重點介紹，我覺得非常值得一讀：https://reverb.com/news/a-beginners-guide-to-stacking-drive-pedals 。

而各類型破音擺放順序所造成的『音色形狀』的差異，這個由效果器品牌『Wampler』老闆所做的示範，可以給你一點實際的體驗：https://www.youtube.com/watch?v=bmDC065i2Cs 。

至於我覺得真的很優秀的音箱頭/箱體組合，這個品牌算是『還在人間』的作品：http://kingsleyamplifiers.com/ 。我會建議可以點進他們的產品看一下實際示範，感受一下這位吉他手身份的老闆，是如何因為追求『表現自己的彈奏手感』而研製出的聲音平台。

那才是『相得益彰』的平衡感啊！

* 刊頭相片取材自 Simon Gotthelf 2017 pedalboard (https://www.youtube.com/watch?v=EJDxShDoWmk )

不只外在美，還有內在更美 文：Lee388
STST 《Motus II DQ》懸浮直驅式黑膠唱盤

不知道大家起初接觸黑膠唱盤這個玩意時，會不會被很多名詞嚇怕，使到大家望而生畏，我記得當年我初嘗黑膠時，並沒有互聯網，初學調校黑膠唱盤沒有前輩教路，我是從圖書館借一些相關書籍和看音響雜誌來學習黑膠的調校細節，了解各式各樣名詞，從中知道怎樣安裝黑膠唱盤，我就是這樣開始進入“黑社會”行列。相對起今天上網找資料和看影片，要獲得調校黑膠唱盤的知識可謂容易得多，不過有時網上資訊太多，亦不是全部正確，不像書本和雜誌始終經過校對才出版，所以大家想玩好黑膠還是親身接觸，落手落腳調校來得實在。

提到黑膠唱盤相關名詞，我和大家先分享以下這些：
硬盤：當然這個不是電腦上的儲存資料的硬盤（hard disk），這是指黑膠唱盤沒有任何懸掛，是用轉盤本身的重量來對抗外來的振動，這類設計的唱盤一般稱為硬盤。

軟盤：在黑膠唱盤發展初期，軟盤是比硬盤早發展，軟盤是指唱盤的摩打、轉盤和唱臂承托部份是有懸掛結構承起，目的是阻隔外來的振動，而這些懸掛結構就包括彈弓、橡筋等物料。

帶動：驅動摩打經皮帶帶動轉盤轉動。至於這個皮帶，不同廠家會用不同物料。

直驅：這是指帶動轉盤的摩打是直接驅動轉盤轉動，摩打往往就是轉盤軸承的一部份。

世界首個直驅軟盤
為何要在這篇試聽報告之前大費周章與讀者們溫故知新？因為今次為大家介紹這個來自德國的STST Motus II DQ黑膠唱盤，它的設計是相當獨特，這是一個直驅軟盤（懸掛式）。可能大家會問這個設計有何特別？不也是上面提到這些設計嗎？大家沒有錯，這個Motus II DQ黑膠唱盤表面上也是傳統方式設計，不過當大家再細想一下，我們一般認識的黑膠唱盤當中，是沒有一個以直驅轉盤來結合軟盤設計的（如果讀者們知道有這樣設計的黑膠唱盤，請告知小弟），通常直驅唱盤大都採用硬盤式設計，這個就是Motus II DQ黑膠唱盤的最大特色，直驅軟盤可能是世界首個！

在未開始介紹Motus II DQ黑膠唱盤前，我先簡單介紹這家來自德國的STST廠家，這家公司的創辦人和設計師是Mr. Stefan Strohmetz，而公司的名稱STST就是取自他的姓氏和名字的頭兩個字母，原來Mr. Stefan Strohmetz年青時已經醉心研究黑膠唱盤，並於1985年創立STST這家公司，而且開始設計及製造黑膠唱盤、唱臂等黑膠相關的產品。

如果大家只憑肉眼去看這個STST Motus II DQ黑膠唱盤的外觀只是上圓下方的傳統黑膠唱盤，而廠方可提供不同木紋的唱盤外框給買家選擇，可是當用手輕按轉盤時，會發覺轉盤在上下晃動，原來轉盤與臂板是懸浮設計，當然這個也沒有什麼特別，一般軟盤也是這樣，不過當把Motus II DQ的外框拆開，這時看到一個非比尋常的內部結構，坦白說當我首次看到時，我也嚇了一跳，真的從未見過一個黑膠唱盤內面會這樣複雜。

開始試聽
這次試聽這個STST Motus II DQ黑膠唱盤是在寒舍進行，唱盤是放在CMS Black Diamond承板上，配合的唱臂和唱頭是我的參考組合，這包括Thales Simplicity II唱臂和Lyra Atlas動圈唱頭，唱頭放大是Burmester 808MKV前級內的MC II模組咭，經Burmester 808MKV前級以Burmester平衡線接到Burmester 909MKV後級，再以Burmester Silver喇叭線接到TIDAL Contriva G2揚聲器，而近期在Contriva G2每邊其中一隻釘腳上接了一條ASI Static Cable，據講這條線有導走振動的作用，接了之後發覺聽多了揚聲器發出的細節，今次試聽這個Motus II DQ黑膠唱盤正好表現出這個唱盤的寧靜度。

疑問重重
試聽這個Motus II DQ黑膠唱盤前是充滿著疑問，一般說法直驅唱盤不及帶動唱盤寧靜，不過根據廠方的資料，Motus II DQ唱盤內的摩打溢散出來的抖動能量只有0.5 Watt，比起傳統帶動唱盤的5 Watt低了10倍，所以產生出來的噪音和抖動會比帶動唱盤更低。還有我也試聽過不少帶動唱盤，很多時噪音和音染的來源就是來自帶動的皮帶，到底這個直驅唱盤是不是完全可以克服以上問題？另外一個疑問是Motus II DQ唱盤採用軟盤設計，傳統說法軟盤是偏向音色的取向，還有當調校好後，經過一段時間就需要再調校，不過據STST廠方說法，就以上問題Motus II DQ唱盤採用一些嶄新的方法來處理軟盤，首先軟盤經過一段時間使用就需要調校，最主要原因是三個受力的彈弓承托的力量不均，所以經過了一段時間後這三個彈弓就自然各自有不同的變化，而Motus II DQ唱盤就是採用砝碼來平衡唱臂這邊比較重和受力的問題，使到各個彈弓平衡受力，還有所採用的彈弓不是傳統的彈簧，是廠方特製品來避免以上問題。最後的疑問，直驅與軟盤結合，這是我從未接觸過，是不是如理想中兩種設計的好處也發揮出來，還是各自的缺點反而表現出來？既然是這麼多疑問，單憑外表也不能知道，最好就是親手試聽來取得結果。

寧靜度超級優異
在寒舍開聲的STST Motus II DQ黑膠唱盤，第一個給予我的聽感是相當寧靜，當唱針落在唱片上沒有音樂的位置時，在揚聲器好像完全聽不到有半點聲音，正常是有一點點底噪，就是因為這樣，我有好幾次落下唱針後也不奇然要看看唱針確認是否已經落在黑膠上，這是我試聽過所有帶動唱盤從來沒有的經驗，有這樣的優勢，音樂播放時自然更能播出音樂中最細微的細節，使我有點好像聽CD的感覺，大家不要誤會這個不是貶義，我想表達是這種寧靜度和安定感真的有如聽CD一樣，有以上的感覺，我相信是直驅盤免卻了皮帶，還有以浮盤設計來抵消外來振動有關。經STST Motus II DQ唱盤播放不同種類的音樂，我發覺這個唱盤沒有特定的音色取向，這是偏向中性，盡量還原出唱片上記載著的音樂和情感，Motus II DQ沒有外加任何渲染。至於低頻的表現絕對聯想不到這是軟盤設計，低頻是充滿量感和細節，下潛力強，比起同級硬盤也絕不示弱，還有當播放大爆棚音樂這種規模感，絕對估不到是這等大細的唱盤可以做得到。另一樣優點是播放管弦樂的深度和闊度也相當理想，我估計這個與軟盤設計有關，聲音是相對寬鬆一點，而且來得穩定。

就以其中幾張用來試聽的黑膠來表達出以上聽感。先來超強的寧靜度，這張Ida Haendel《A Classical Recital》最能表現出來，Ida Haendel的拉奏力量可剛可柔，強弱之間的對比是最考驗器材，好多情況下強音是容易播得好，弱音是來得不易，而這個STST Motus II DQ唱盤播放這張黑膠是給我從未如此興奮，聽多了很多從前未聽過的小提琴輕微抖動的細節，小提琴泛音豐富，營造出一個非常立體的空間感，聽到小提琴發聲位置牢固地釘在空間中，與伴奏的鋼琴一高一低，比例適中，而鋼琴琴音清晰之外，這種琴腔衍生出來的低頻，給予我很少能在黑膠上感受得到這種穩定的感覺。

中性還原
Amanda McBroom的《Dreaming》黑膠可謂女聲名盤，一般聽到這張黑膠內Amanda的歌聲都是婉美、溫柔，這次經Motus II DQ唱盤播放下，使我有種不一樣的感覺，伴奏音樂同樣細緻、鮮明，不過Amanda的歌聲就如唱片封面她所穿著的絲質外套一樣，表面是滑不溜手，不過細看之下原來是暗藏皺褶。就像她的歌聲表面是甜美溫柔，不過Motus II DQ唱盤帶我進入一個更深的層次，可以聽到歌聲帶點沙啞，表現出更為細膩和深切的情感，可能大家熟悉這張唱片的發燒友未必知道我所表達的含義，這個我也明白，因為未用Motus II DQ唱盤聽這張黑膠之前，我也未曾有以上的聽感，我知道Motus II DQ唱盤不帶任何音色上的修飾，這是完全表露出黑膠內蘊含的情感，所以才可以有這樣不同的體會。

低頻表現力超乎預期
另一個疑問是浮盤一向是低頻相對較弱，所以找來這張《Adagio Albinoni》45轉黑膠來試試Motus II DQ，這是Gary Karr負責低音大提玩，Harmon Lewis負責管風琴，收錄了兩件低頻至超低頻同樣凌厲的樂器，這張黑膠我稱為踢館碟，如果帶去家訪，機主隨時會面黑黑望住你。看看Motus II DQ唱盤可否通過這個低頻考驗，坦白說浮盤播低頻，我之前聽過不少，可以達到那一個程度早已心中有數，所以也不會有太大期望能與重型硬盤相提並論，可是今次聽到播放這張《Adagio Albinoni》出來的效果比我預期有過之而無不及，兩樣樂器同樣清晰分明，低頻毫無混濁，可聽到低音大提琴嗡嗡的低頻滾動下仍可聽到拉弦的線條，管風琴的低頻震至褲管打振，亦可清楚分辦出的管風琴的位置比低音大提琴後，還有就算播至天崩地裂的音量，也沒有半分凌亂的感覺，不知這個是否與浮盤設計有關，聽到這樣宏亮，規模感豐富，還有迫力強橫的聲音，Motus II DQ唱盤處理低頻的能力高分過關，我找不到有任何可挑剔的地方。

最後，聽聽這張羅文的《情繫佛羅內斯》45轉雙黑膠，這個錄音是向顧家煇和黃霑致敬，當年是羅文飛到佛羅內斯以管弦樂團伴奏下演繹兩位大師的金曲。播放這首《明星》至中段有一些Bass Drum輕力敲打下的聲音，這個是極難播得好的低頻暗勁，而STST Motus II DQ毫無保留地播放出來。《今晚夜》開始時羅文引頸高歌的清唱段落，清晰聽到音樂廳的迴響，非常有現場感。還有樂團各樣樂器從近而遠，從左至右營造出色彩燦爛的場面，羅文千變萬化的情感，頌放出氣韻醇厚的歌聲，好像把他畢生歌唱的功力就在這個錄音展露出來，今次聽這個Motus II DQ唱盤的發揮，完全沒有辜負羅文的一番心機。

結語
不知道閣下選擇黑膠唱盤要有什麼條件？如果是以威猛外型先行，又可能以聲音甜美，播任何錄音都一樣靚聲為先決選擇條件，或者又以可裝得愈多唱臂就愈好。要符合以上選擇黑膠唱盤的條件，我相信這個STST Motus II DQ黑膠唱盤未必合閣下杯茶。可是如果閣下是以播放聲音準確為先，要找一個可以靜心欣賞音樂，不要每天左調右校的玩具，這個來自德國的STST Motus II DQ黑膠唱盤必定列入閣下選單之中，還有當我詳細試聽過Motus II DQ唱盤的聲音表現，我相信同價位的唱盤中，以聲論價這是其中一個最突出的黑膠唱盤，所以我已經把這個STST Motus II DQ黑膠唱盤列入我的目標。

STST 《Motus II DQ》規格：
懸浮直驅式黑膠唱盤
提供18V外置式電源供應
轉速：33 1/3 和 45
耗電量：5 W
呎吋：48 x 22 x 40 cm （WxHxD）
重量：20 Kg
定價：HK$98,800

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