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【莫內愛吃派】

莫內（Claude Monet，1840-1926）應該算是印象派畫家中最著名的美食主義者。從他居住了40多年的吉維尼小鎮住宅內，那空間相當寬敞的廚房和飯廳，以及牆上成排紅銅鍋具，都可得知這位一生追逐光影的印象派大師對飲食有多麼講究。莫內吉維尼家宅內的餐會是當時眾多藝文圈名人聚會之處，包含雷諾瓦、竇加、畢沙羅、希思黎等畫家，另外還有雕塑家羅丹和之前介紹過的惠斯勒（James McNeill Whistler，1834-1903）等人。

雖說這般精緻飲食要到莫內於1890年代經濟狀況寬裕後才能真正落實，但他對美食的喜愛其實也可從食物靜物畫看出端倪，比如這幅完成於1882年的《派餅》（The Galettes）。

莫內眾多作品中以風景畫聞名，自1907年之後便不再創作靜物畫。之所以畫下這幅《派餅》，一方面當然是因為畫家自己愛吃，另一方面也是他表達謝意的方式。

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說起來，如今應該最受世人喜愛的印象派有點生不逢時，剛好遇上普法戰後，法國因戰敗需支付天價賠款而導致民生凋敝財政困頓之時。這種艱難的情況之下，維持生計已成問題，還有誰有閒錢買畫？於是這群年輕激進的畫家只好咬牙苦撐，一次又一次地舉辦獨立畫展。

1881年，莫內和情婦愛麗絲（Alice Raingo Hoschedé，1844-1911）帶著8個孩子從巴黎搬遷至市區近郊普瓦西小鎮（Poissy），此時距離莫內元配夫人卡蜜兒去世約莫2年，她為莫內誕下的2個孩子和愛麗絲自己的6個孩子，後來都由愛麗絲一手拉拔照顧。

普瓦西雖不在巴黎鬧區，但對於莫內來說仍過於擁擠，於是他在當年便啟程前往英吉利海峽沿岸諾曼第地區尋找靈感。那幾年，莫內數度前往法國北邊濱海作畫，創作出一系列岸邊與海洋景色。

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1882年2月，在冷冽呼嘯的諾曼地沿岸普爾維小鎮（Pourville），莫內找到了屬於他的天堂，從莫內寫給愛麗絲的信中描述著，小鎮與大海如此接近，浪濤幾乎就在腳邊，並且擁有描繪海洋的極佳角度。在此，他靈感泉湧，作品不斷。但是畫畫歸畫畫，總還是要顧及基本民生需求。

莫內在普爾維的那段期間，投宿在旅店『派餅名望』（a la renommée des galettes）中。會把店名取得這麼直白，就顯示店家對於自己的派餅有多麼自豪。當然這種良好自我感覺有時候很可能只是店家自嗨，然後其實是大地雷，但因為經過貪吃鬼，喔不，是美食家莫內認證，這家旅店的派餅可不是浪得虛名。

『派餅名望』住宿費一晚雖然才6法郎，而且也只有莫內一個住客。但一待兩個月，窮光蛋莫內仍是無力支付，為了感謝店主夫妻熱忱款待照應，一部分可能也為了支付房租，莫內不只畫下這幅《派餅》表達對店主兼大廚葛拉夫（Paul Antoine Graff）精湛烘焙手藝的肯定，另外還幫店主和夫人繪製肖像畫各一幅︰《Portrait of Père Paul》與《La Mère Paul》。

我們可以想像，那段獨自在海邊畫畫的日子，傍晚回到旅店歇憩時，或許這些出爐不久，可能還沁出淡淡熱煙、嚐來香酥可口的派餅，對於尚且不得志，正為了理想掙扎於困頓現實中的小畫家而言，也曾經給予他許多溫柔撫慰。

何況前一年4月舉行的印象派第六次畫展中，只有13位畫家參與展出170餘幅作品，許多具有代表性的畫家都缺席了，包含莫內在內。與前幾回印象派聯展相較，這次規模確實縮減不少，除了竇加展出他的複合媒材雕塑之作-《14歲的小舞者》（Little Dancer Aged Fourteen，1880-81）特別受到矚目。

這般景況其實也反應出印象派眾人彼此創作理念上的矛盾已日益加深，並預告著曾經掀起藝壇巨浪的聯展即將走入尾聲。（在這之後印象派再舉行兩次畫展便終結：1882年的第七次，以及1886年的第八次）

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自1879年元配卡蜜兒去世之後，莫內便鮮少在提筆創作肖像畫，這兩幅店主夫妻肖像畫是1879年莫內畫下的少數特例。肖像中一些較為誇張的特徵表現，其實也可看出莫內年輕時的諷刺畫風格。

這一年夏天，愛麗絲終於帶著兒女們來普爾維探望莫內，也投宿在這家旅館→每天都有美味派餅可以享用，老闆夫妻為人又和藹熱情，當藍要繼續住下去啊~（重點是還可以賒帳 XD）

於是趁著家人在岸邊散步時，莫內以短而輕快的筆觸，捕捉了愛麗絲兩位長女於崖上遠眺的身影。藉由巧妙的紋理和色彩組合，莫內成功將人物融入景色中。瞧著那些隨風翻起的草浪，似乎都感受得到六月天仍是張狂放肆的強勁海風正衝襲而來再呼嘯而過。

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至於『派餅名望』的派餅究竟有多好吃？好吃到讓挑嘴的莫內極為讚賞，甚至為它們留下紀念性身影，那澄黃香酥的模樣是不是也讓你很想拿起來咬一口？（擦口水）

另外畫中派餅究竟是啥口味？派餅如何反應布列塔尼地區特有文化？除了是莫內這時期最出色的靜物畫之一，這幅《派餅》靜物畫的構圖和技法有哪些有趣之處，在他的創作生涯中又代表何種意義？相信你也會有興趣想要深入了解。

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【傲嬌狩獵靜物畫】

法國靜物畫和風俗畫流派向來以夏丹（Jean-Baptiste-Siméon Chardin，1699-1779）最為著名，然而在夏丹之前，還有一位前輩-亞歷山大･法蘭索瓦･德斯波特斯（Alexandre-François Desportes，1661-1743年）也曾創作出精彩詳實的成果。

比起夏丹溫潤樸實的樣貌，德斯波特斯下筆顯然細節更為講究，風格更加華麗。換句話說，若是夏丹的作品屬於平實動人一流，那麼德斯波特斯則是貴氣逼人光芒四射。

從《有精心裝扮的獵物、肉類和水果靜物》（Still Life with Dressed Game, Meat, and Fruit，1734），就可以見到德斯波特斯有多大能耐。

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畫家除了藉由靜物畫渲染色彩、表現物體質感，藉以展現自己技藝多高超，比起ㄧ般靜物畫，最大不同之處在於，狩獵靜物畫（hunting still-life genre）則更強調貴族的傲嬌品味與階級優越感。

說來都跟狩獵這項〝高尚運動〞有關。

進行狩獵活動需要結合技能、人力和運動等元素，相對成本高昂，非尋常百姓所能負擔。在歐洲百千年來的傳統裡，狩獵都是權貴專屬，無論配備器具、坐騎僕傭，或是狩獵後的餐宴擺設，都各有講究自有規矩，絕不像一般村野人家捕捉獵物之後，吃乾抹盡飽腹一頓便了事那樣隨便。

因此狩獵靜物畫不僅用來滿足上層階級男性征服野生動物的自嗨自滿，更象徵其專有的特權。更何況對於野禽滋味的偏好，最早自古埃及直到羅馬時期，便已經深植於上層階級的飲食文化裡了。

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縱樂享受的古羅馬對於禽鳥類的美味甚為執著，就連孔雀🦚也列入食用之類。但是羅馬人偏愛柔軟口感，因此肉類多先進行水煮再炙烤，然後使用香料調味。中世紀的封建領主餐桌上也要有禽鳥如鵝肉和其他肉類撐場面，此時料理方式則採燒烤為主。

待到文藝復興時期，葡萄牙人從非洲進口珠雞，以及隨著哥倫布發現新大陸，火雞🦃也來到歐洲，都讓歐洲人又多出些選擇。尤其18世紀啟蒙時代時，人工圈養的雞或鵝，正如野外捕獲的雉雞和山鶉一樣受到歡迎，再加上園藝技術提升、海外貿易發達，餐桌上菜色已經熱鬧許多。

然而光吃喝不警世就不是凡事都要有宗教寓意的基督教世界了。在宗教圖像學裡，禽鳥普遍象徵耶穌為人類所做出的犧牲。因此品嘗時要懷抱虔誠感恩的心情，但若是已經醉得一蹋糊塗那又是另外一回事。

千百年來，上層階級男性依舊無法捨棄狩獵所帶來的樂趣和成就感，尤其做為展現個人地位的附加價值，當然要好好發揮高人一等的機會。直到近代因為環保意識抬頭，才或多或少壓抑了這股風氣。

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以德斯波特斯的精工細描來看，確實是將狩獵活動的階級區別展現得淋漓盡致。

尤其他年輕時師從法蘭德斯傳統，更是以描繪細節見長，使得德斯波特斯在路易十四和路易十五兩任國王的宮廷中，成為最受歡迎的靜物畫家。甚至有幸陪伴國王狩獵，過程中隨時用素描本畫下獵物，事後再由國王欽點，要讓哪些獵物上場，放入畫面組合成完整的作品。

《有精心裝扮的獵物、肉類和水果的靜物》也是如此而來，以宏偉浮誇方式展現獵物和精製餐具的組合，也成功營造皇家尊貴氣息。

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《有精心裝扮的獵物、肉類和水果的靜物》畫面裡，木桌邊緣放了把短刀，一籃橘子連著枝葉橙中帶綠🍊，下方有個紅銅鍋，盛裝野禽的大銅盤也是精心製作。

從這些器物和充滿整個畫面的豐沛食材，就可以看出背景絕非尋常百姓家，而是一派富貴。

已經被拔除羽毛的野禽，被成片豬油包裹著置放於一塊白布上，野禽身上的雞皮疙瘩和沒拔乾淨的殘毛也被仔細描繪；上方懸掛的羊肋排和羊腿部分帶著內臟，羊肉的半透明質感對照出骨頭的堅硬實在。前方的梨子同時以形狀和色彩呼應後方的橘子，讓構圖更完整。

不同於羅馬人主要食用橄欖油，豬油和奶油則是北方民族的最愛。

若是拿豬油和奶油相較，中世紀的富貴人家首選豬油，而貧苦人家才食用奶油。豬油出現在宗教畫或道德寓意畫裡，通常與豬肉的涵義相同，都代表貪食和罪惡🐖。不過這類狩獵靜物畫主要是為了彰顯地位和財富，警世內涵就不是那麼重要了。

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德斯波特斯以近乎外科醫師鑽研解剖學的精準要求，完美呈現諸多細節與物體的不同質感，也讓畫中各式靜物精緻耀眼不同凡響。

能夠把獵物屍體畫得這般富麗華美，完全發揮狩獵靜物畫必需滿足權貴虛榮心與優越感的傲嬌審美功能，難怪德斯波特斯可以在法國宮廷大受歡迎。畢竟我們老百姓眼中的狩獵大餐從來不只是大餐，而是貴族們用來炫富炫血統的工具之一啊~✌️

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無論古羅馬、中世紀或文藝復興時期，烹調食物時總是豪不客氣加入大量香料，如荳蔻、肉桂、胡椒和丁香等，一來香料價高，大量使用才能顯擺主人家的資產雄厚，二來古時食材保鮮不易，香料正好可以掩蓋某些不夠宜人的氣味。

另外一直要到18世紀，歐洲各國在新大陸殖民地的蔗糖產量才會來到高點，在此之前，無論糖或是另一種甜味劑-蜂蜜都要價不斐。為了有意無意強調身分，導致許多菜餚，尤其是宴會餐點，都得加入甜味聊表心意，包含各式肉類。

17世紀中，法國出版了第一本具備現代意義的食譜《法國廚師》（Le Cuisinier françois，1651）。隨著法王路易十四（Louis XIV，1638-1715）統治之下國勢擴張，法國烹飪的改革力道與影響也逐步拓展至全歐洲。

新式法菜裡捨棄東方情調香料，只留下胡椒和巴西利（parsley）、百里香（thyme）、蝦夷蔥（chives）等歐洲本土香料；自古羅馬時興的甜鹹混雜風味不再，而是以鹽和胡椒為主導，甜味則純然安放於主餐之後。然後，奶油終於壓過豬油，扮演起重要角色。這才是我們熟悉的法式料理風味。

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德斯波特斯繪製《有精心裝扮的獵物、肉類和水果的靜物》時，為路易十五（Louis XV，1710-1774）統治期間，法國烹飪早已發展得如火如荼，在歐洲居於領導地位。

我們可以想像，此時國王的御廚不再撒上大把香料和蜂蜜為畫面裡的羊肋排和禽鳥類調味，而是使用奶油、鹽和黑胡椒創造出一道道佳餚。這些濃郁豐厚滋味，與如今嘗到的模樣已經相去不遠。

這麼說起來，即使是18世紀初期的狩獵靜物畫，其實跟現代生活也會有所聯結。

要是德斯波特斯把國王餐桌上的菜色如此認真仔細畫下來，那就更好了（擦口水~🤤🤤🤤

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🍒【櫻桃的媚惑】🍒

《街頭歌手》（Street Singer，c.1862）是印象派大老-馬奈（Edouard Manet，1832–1883)）早期意圖挑戰古典學院規則，表現改革意念的作品。

畫中人為一名在巴黎咖啡館表演維生的女歌手。19世紀的巴黎，咖啡館蓬勃發展四處林立，不僅得以小憩喝咖啡，裡頭也是巴黎時髦男女飲酒用餐、欣賞各式表演活動的地方。若按照它五臟俱全諸事皆宜的程度，或許可比擬為〝19世紀餐飲界的便利商店〞。

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這位女歌手很可能已經表演完畢，下工後正推門離開咖啡館回家。很明顯，裝有絞鍊的兩扇門馬上就會彈回原位再度闔上。

那一天，或許馬奈剛剛結束與朋友的咖啡館聚會，或者上街閒逛尋覓靈感，而路過咖啡館門口見到這一幕。靈感一來，馬奈隨即向前攀談，邀請這位女歌者擔任麻豆讓他作畫，很不幸，不知為何緣故，馬奈卻被拒絕了。

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馬奈等印象派諸人有別於古典學院派最明顯之處，一在技法，二為題材。

捨去神話、宗教與歷史人物等無法親聞的遙遠主題，印象派焦點轉向當代人生活百態。

他們觀察、記錄巴黎人日常活動與周遭景色，以至於就連歌手從咖啡館推門而出的情景竟成為畫作題材。更不尋常的是，馬奈使用高達171公分的畫布，亦即真人尺寸來創作，破除以往風俗畫難登大雅之堂，僅採較小尺寸繪製的慣例。

但是被女歌手拒絕了怎麼辦？

由於留在腦海裡的印象太清晰，馬奈找來他最鍾愛的麻豆-維多利亞·莫涵（Victorine Meurent，1844-1927），在工作室架好場景之後，開始動筆作畫。

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只見女歌手推開門扇，看來若有所思眼神望向遠處。

不過她走出咖啡館時，左手抱著櫻桃，同時得抓著樂器又拉起裙擺，就為了空出右手吃櫻桃。兩隻手同時要做這麼多事，搞得她整個人很忙碌，姿勢看起來既怪異又有點窘迫。

櫻桃酸甜多汁的滋味，可能是她漂泊輾轉和四處賣唱的貧困生活中，難得的慰藉。使得她不顧禮節或便利與否，迫不及待抓起櫻桃邊走邊吃。從即將關上的門扇空檔，可以見到坐在咖啡館裡的客人，還有穿著白色大圍裙的侍者。

早在1670年代中期，當咖啡開始在巴黎風行時，就有流動的咖啡小販帶著托盤、小火盆和其他工具，提供到府服務烹煮咖啡。當時他們便穿著黑色衣服，腰間繫上白色大圍裙，表現專業與整潔，這副打扮依舊沿襲至今。現在即使不穿黑衣，白色圍裙仍是侍者的標準配備。

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《街頭歌手》於1863年展出時，因為題材太新穎，筆觸太粗糙，曾經引來（自以為的）藝評家一頓狠批，例如Paul Mantz說〝不正常的畫法讓我們看畫時感到非常不舒服，女歌者的眉毛被畫成直直一條，還往下掉到鼻樑，看起來就像兩個逗號的陰影〞（because of an abnormality we find deeply disturbing, the eyebrows lose their horizontal position and slide vertically down the nose, like two commas of shadow.）。

逗號的陰影…逗號的陰影…逗號的陰影…如此嘲諷尖酸，果真很有〝藝評家〞之風。🙄🙄🙄

幸好還有左拉（Émile Zola）幫馬奈扳回一城，左拉說馬奈〝坦率地陳述眼前所見〞（state frankly what he sees.）。

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女歌者左手那包櫻桃也是重點。🍒

櫻桃是代表天堂的水果，在古典繪畫具有崇高地位，與亞當夏娃偷吃的禁果涵義恰恰相反。尤其宗教畫裡的櫻桃象徵伊甸園，紅色如鮮血般的汁液，也意喻耶穌的聖血和受難，因為他的犧牲和救贖，人類得以再次希望進入天堂。

宗教涵義之外，櫻桃的歷史也可追溯至許久之前。

根據古羅馬作家兼博物學者老普林尼（Pliny，23-79）記載，櫻桃於西元前74年由小亞細亞傳入義大利。後來中世紀時也成為北方地區，包含法國、德國和英格蘭的飲食基本成分。櫻桃用途多多，不僅能夠鮮食，還會被製成果醬、糖漿和醃漬蜜餞，或者加以釀製，例如櫻桃白蘭地（kirsch）與櫻桃酒（maraschino）。

寓意高貴又滋味甜美，無論是文藝復興時期或者是17世紀的凡爾賽宮宴會上，櫻桃都是少不了的水果，凡爾賽宮甚至設有溫室專門栽種。

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不過馬奈無心借用古典喻意，反倒是運用櫻桃的鮮紅色澤、甜度、球形外觀，以及類似女性的圓潤曲線，讓人聯想到愛情；而女歌者將櫻桃放在唇邊的姿勢，顯得既隨意自在卻又如紅唇般挑逗性感。

如此一來，馬奈成功捕捉了女子的媚惑風情。

再者，櫻桃鮮豔的色澤在畫面安排上也具有絕對作用。

馬奈使用大面積的米黃、棕、赭色、灰、綠和黑色架構出對比效果。在深沉的背景襯托下，女子的臉龐幾乎沒有血色，輪廓也顯得扁平，除了強調衣襬皺褶的黑線可用以增強圖形與線性效應，為看似剎那隨興捕捉的場景中平添嚴謹講究。

黃色包裝紙和猩紅的櫻桃便順理成章成為畫面焦點。

缺乏立體深度、線條明顯、題材平凡，再加上筆觸粗率，都有別於學院傳統嚴格講究透視、平滑肌理與崇高主題法則，難怪藝評家要來酸一頓。不過由此可見馬奈雖自詡古典一流，卻流露於作品裡的叛逆意志。

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約莫一年後，馬奈將以《草地上的午餐》（The Luncheon on the Grass，1863）和《奧林匹亞》（Olympia，1863）為巴黎畫壇投下震撼彈，雖招致無數批評，然而也啟發了莫內（Claude Monet，1840-1926）等後進，正式開始藝術史的另一篇章。

身為馬奈最愛麻豆，莫涵也擔綱演出《草地上的午餐》與《奧林匹亞》裡的裸女一角。

因為過於大膽的裸體呈現，完全不以神話人物稍加掩飾，而是明目張膽表明當代，眼神又無畏直視觀眾，無論是馬奈或莫涵，都因此受到輿論無情批判，就連莫涵的身材比例也要被拿來消遣嘲弄一番。甚至有傳言莫涵名為麻豆，實則從事性交易，還有酗酒惡習，跟馬奈之間也有不言可喻的曖昧關係。

真相究竟為何？🤔

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根據藝術史學家尤妮斯･利普頓（Eunice Lipton，1941-）研究發現，莫涵的一生並非當時人們刻意詆毀那般悲慘早逝。

馬奈曾以莫涵為麻豆畫下9幅畫作，直到莫涵開始學畫之後，因為她的風格較偏向古典一流，無形中便與馬奈漸行漸遠。然而在那個對女性學畫有諸多限制的年代，莫涵卻曾有6次得到巴黎沙龍展肯定，值得一提的是，當她1876年以自畫像首度入選沙龍展時，馬奈卻落選了。

1903年，59歲那年，莫涵終於入選法國藝術學院（Société des Artistes Français）。這項遲來的肯定總算見證了她無畏出身勞工階層，同時曾經身為人人鄙視的裸體小模，卻努力在藝術創作立志向上的成就。

或許因為之前莫涵的裸體名揚全巴黎，導致願意收藏或者撰述她生平的記述相當少，目前所知，她只有一幅《棕枝主日》（Le Jour des Rameaux or Palm Sunday）保存於巴黎西北郊科隆布斯（Colombes）的美術館Musée Municipal d'Art et d'Histoire de Colombes內。雖僅一幅，從中已可見莫涵的技藝能耐。

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至於莫涵與馬奈是否真的有一腿？

若是依照馬奈早已身染當時的不治之症-梅毒看來，萬一兩人真的曾經發生過肉體關係，梅毒傳染率如此之高，莫涵多半無法倖免於難。然而莫涵相當長壽，直到83歲才告別人世。

因此答案應該很清楚了。

1906年，莫涵離開巴黎遷往科隆布斯，在她人生最後20年左右，僅有一位名為瑪麗･杜福（Marie Dufour）的女子作伴。只是流言依然不放過她，莫涵與瑪麗又被謠傳為同性戀，而除此之外，莫涵本人則是夜生活精采放蕩，甚至重操性交易舊業。

唉，這些酸民到底煩不煩？😫😤😣

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儘管不清楚馬奈內心究竟如何看待莫涵的繪畫事業，然而莫涵18歲那年為《街頭歌手》擔任麻豆時，馬奈卻以櫻桃畫出了她兼具純真與媚惑的動人神態，為現代藝術史漸次揭開了序曲。

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