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//光復精緻 一 向張繼高先生致敬

鍾一匡

鍾氏兄弟在2014年《極》專輯內有一首滄海遺珠，名叫《光復精緻》，因為不是主打歌，不是很多人留意，卻是我心目中一首滿意的作品。歌曲用Philadelphia Sound為曲風，出奇地波希米亞，又不失騷靈風味。有時歌曲都要有它們的運氣，但運氣不佳的歌曲，也象徵一些特殊的意義，就是識貨之人更會欣賞它們，就像提倡「精緻文化」之父張繼高一樣。

筆者認為張繼高是近四、五十年華人社會中對音樂、文化、傳播工業的最偉大評論家，沒有之一。雖不太多人認識他，但認識他的人，都會對他的文章珍而重之，並會經常翻看，溫故知新。筆者便是他的粉絲。

來自台灣的張繼高，筆名「吳心柳」，意指「無心插柳」，足見張先生的謙卑和豁達。張先生以新聞為專業，鑽研及涉獵不同的音樂範疇，創立《音樂與音響》雜誌，畢生崇尚及推廣「精緻文化」，從來不會就粗疏和劣質文化作出妥協，深受他影響的人包括香港樂評人陳浩才和周凡夫等。張先生並不多產，但九歌文庫為他出版的三本文選集《樂府春秋》、《從精緻到完美》和《必須贏的人》貴精不貴多，成為筆者多年來的精神食糧。

什麼是「精緻文化」？就是那種不能光靠金錢堆砌出來，而是要用人民教育、文化修養和品味互相襯托出來的內在氣質。對真善美的追求，對夢想的執着，是達至「精緻」不可或缺的元素。

在這個由粗糙、通俗文化主導的社會，當「即食」和「崇劣」成為主流的年代，提倡「精緻文化」當然會吃力不討好，並可能惹人非議。甚有前瞻性的張繼高在七、八十年代已經開始談品味、精緻文化、尊敬與尊重、良知、以優雅及從容的筆跡多角度地剖析現代人進退之道，從而展現作者的智慧和識見。張先生寫的樂評更是令人津津樂道的小品，特別在《樂府春秋》中輯錄的散文，談蕭邦情史、貝多芬月光曲之迷、馬友友旋風、在東京聽卡拉揚，均顯示張先生在古典音樂範疇中絕對是權威。

在《人能宏樂》一文中，更強調一個城市內必須有音樂活動及氣氛才能反映欣賞及了解音樂的社會價值，聽音樂的場館亦變得相當重要。因此，一個城市沒有一些像樣的音樂廳是不能培養市民對音樂的興趣。張強調，音樂廳不光是一座建築物，硬件雖重要，但軟件如音樂廳內的音響、隔音設備和座位編排才是精髓，否則金玉其外、敗絮其中，變得華而不實，會有反效果。

張先生的名言「音響是手段，音樂才是目的」對現時充斥香港唱片市場的「發燒碟」及「Hi Fi碟」確是當頭棒喝。在這十幾二十年來，有太多標榜「靚聲」、「口水聲」或「牛筋聲」的發燒碟，當聽眾把每一件樂器分開來聽的時候，基於錄音效果，有些樂器可能比較突出或清晰，但當所有樂器放在一起的時候，音樂感欠奉，整件事情流於堆砌，遺失了音樂本身的魅力。

相反，鳥瞰國際音樂市場，一張真正「靚聲」的唱片如Diana Krall、Sting、Sade的專輯一定不會是「衰聲」的，它們在製作上的每一個環節如錄音、混音、母帶整理、甚至封面設計上都恰如其分，所以就算沒有標榜自己「靚聲」，聽眾也會認定是信心保證。

張先生認為，要邁向高生活質素的社會，提倡音樂是必然的手法，這是音樂的「社會觀」：音樂可以提高人的思考、欣賞和秩序的能力。張道：「一個缺乏藝術氣息的人，縱然擁有一套百萬音響，也只能珍惜他的客廳，裝飾不了他的心靈。」我非常同意，因為只有真正懂得欣賞音樂的人才能深刻地使用音響來達至音樂的極致，所以在音樂的教育上不能掉以輕心，尤其是幼兒的音樂教育。大家明白為何筆者經常提及美國兒童節目主持人Fred Rogers與他的御用鋼琴大師Johnny Costa四十多年來透過精緻的爵士樂與孩童分享音樂的奧妙。最近有一齣電影叫《在晴朗的一天出發（A Beautiful Day in the Neighbourhood)》，便是由影帝Tom Hanks飾演Fred Rogers，筆者極力推薦大家去看。

雖然張先生精通古今古典音樂，但他認為爵士樂和流行樂也能登大雅之堂，最終達至精緻的水平。首先，他覺得流行音樂可以不低俗。這點我不甚同意，因為我認為低俗的流行音樂也可以是社會的縮影，例如大AL、尹光及夏金城的市井歌的歌詞諷刺時弊，反映低下階層的辛勞及苦況，絕對是另類的「精緻」。張先生認為要改善流行音樂，必須發掘高水準的作曲人和有深度的填詞人，因為「好的曲可以試音樂流行，好的詞可以使之流傳。」有了以上兩種人之後，就要有高智慧及具有不迎合市場膽識的人，去開拓新的市場，創造新的需要，建立新的供求關係。我想，鍾氏兄弟正是秉持著這種另類眼光的人，默默地在音樂界的狹縫中竭力提升流行曲的質素。

倪匡在小說《追龍》中寫道，要一個城市滅亡，把其優點毀壞便可。同樣，要摧毁一個城市的優點，毁滅其精緻文化便可。因此，要拯救香港，我們更加要致力推動精緻文化，推翻「崇劣文化」，學懂分辨好壞，提升個人品味。

早前，筆者在面書寫道：「一篇寫得好的中文文章，最重要的兩個元素是邏輯滴水不漏及中文寫得好。中文寫得好的意思包括遣詞用字和描述的精準，及修辭是否流麗等。我的首選當然是兩者兼備的文章，如果文章邏輯妥當，但中文寫得不好，是情有可原的。如果邏輯欠奉，中文雖然流麗但言之無物，仍是沒有可取的地方。一篇邏輯欠奉加上中文拙劣的文章難怪會受到批評。當然，也會有人批評那些兩者俱佳的文章，但我相信邏輯是否妥當及中文是否流暢是有一定客觀性的。換句話說，社會上雖然有見識貧乏的人，但我相信真心想理性討論問題的人大有人在。其實除了中文外，其他各國語文的文章都應是如此，為何我要單獨挑出中文文章呢？因為我只認識中文同英文，法文屬幼稚園程度。相對來說，英文文法比較易掌握，沒有中文那般難寫，所以寫中文比英文的難度為高。因此，中文文章寫得好的人，在世上比恐龍更難尋找。」原來，筆者在不知不覺中又在讚賞張先生。

張先生用秀麗及典雅的文字來襯托具哲理和豁達的觀點，是華人樂評界第一人，未知是否後無來者，但肯定是前無古人。

最後，筆者分享一段張先生的文字與大家共勉：「精緻是一種修養、心態和一種認知，聽音樂和用心來使用音樂器材，的確會給我們許多這方面的啟示。」但願我們能用心、用情、用愛來欣賞們周圍發生的事物，讓我們的世界好一點點。//

Henry今日刊登的文章，原文如下：

//光復精緻 一 向張繼高先生致敬

鍾一匡

鍾氏兄弟在2014年《極》專輯內有一首滄海遺珠，名叫《光復精緻》，因為不是主打歌，不是很多人留意，卻是我心目中一首滿意的作品。歌曲用Philadelphia Sound為曲風，出奇地波希米亞，又不失騷靈風味。有時歌曲都要有它們的運氣，但運氣不佳的歌曲，也象徵一些特殊的意義，就是識貨之人更會欣賞它們，就像提倡「精緻文化」之父張繼高一樣。

筆者認為張繼高是近四、五十年華人社會中對音樂、文化、傳播工業的最偉大評論家，沒有之一。雖不太多人認識他，但認識他的人，都會對他的文章珍而重之，並會經常翻看，溫故知新。筆者便是他的粉絲。

來自台灣的張繼高，筆名「吳心柳」，意指「無心插柳」，足見張先生的謙卑和豁達。張先生以新聞為專業，鑽研及涉獵不同的音樂範疇，創立《音樂與音響》雜誌，畢生崇尚及推廣「精緻文化」，從來不會就粗疏和劣質文化作出妥協，深受他影響的人包括香港樂評人陳浩才和周凡夫等。張先生並不多產，但九歌文庫為他出版的三本文選集《樂府春秋》、《從精緻到完美》和《必須贏的人》貴精不貴多，成為筆者多年來的精神食糧。

什麼是「精緻文化」？就是那種不能光靠金錢堆砌出來，而是要用人民教育、文化修養和品味互相襯托出來的內在氣質。對真善美的追求，對夢想的執着，是達至「精緻」不可或缺的元素。

在這個由粗糙、通俗文化主導的社會，當「即食」和「崇劣」成為主流的年代，提倡「精緻文化」當然會吃力不討好，並可能惹人非議。甚有前瞻性的張繼高在七、八十年代已經開始談品味、精緻文化、尊敬與尊重、良知、以優雅及從容的筆跡多角度地剖析現代人進退之道，從而展現作者的智慧和識見。張先生寫的樂評更是令人津津樂道的小品，特別在《樂府春秋》中輯錄的散文，談蕭邦情史、貝多芬月光曲之迷、馬友友旋風、在東京聽卡拉揚，均顯示張先生在古典音樂範疇中絕對是權威。

在《人能宏樂》一文中，更強調一個城市內必須有音樂活動及氣氛才能反映欣賞及了解音樂的社會價值，聽音樂的場館亦變得相當重要。因此，一個城市沒有一些像樣的音樂廳是不能培養市民對音樂的興趣。張強調，音樂廳不光是一座建築物，硬件雖重要，但軟件如音樂廳內的音響、隔音設備和座位編排才是精髓，否則金玉其外、敗絮其中，變得華而不實，會有反效果。

張先生的名言「音響是手段，音樂才是目的」對現時充斥香港唱片市場的「發燒碟」及「Hi Fi碟」確是當頭棒喝。在這十幾二十年來，有太多標榜「靚聲」、「口水聲」或「牛筋聲」的發燒碟，當聽眾把每一件樂器分開來聽的時候，基於錄音效果，有些樂器可能比較突出或清晰，但當所有樂器放在一起的時候，音樂感欠奉，整件事情流於堆砌，遺失了音樂本身的魅力。

相反，鳥瞰國際音樂市場，一張真正「靚聲」的唱片如Diana Krall、Sting、Sade的專輯一定不會是「衰聲」的，它們在製作上的每一個環節如錄音、混音、母帶整理、甚至封面設計上都恰如其分，所以就算沒有標榜自己「靚聲」，聽眾也會認定是信心保證。

張先生認為，要邁向高生活質素的社會，提倡音樂是必然的手法，這是音樂的「社會觀」：音樂可以提高人的思考、欣賞和秩序的能力。張道：「一個缺乏藝術氣息的人，縱然擁有一套百萬音響，也只能珍惜他的客廳，裝飾不了他的心靈。」我非常同意，因為只有真正懂得欣賞音樂的人才能深刻地使用音響來達至音樂的極致，所以在音樂的教育上不能掉以輕心，尤其是幼兒的音樂教育。大家明白為何筆者經常提及美國兒童節目主持人Fred Rogers與他的御用鋼琴大師Johnny Costa四十多年來透過精緻的爵士樂與孩童分享音樂的奧妙。最近有一齣電影叫《在晴朗的一天出發（A Beautiful Day in the Neighbourhood)》，便是由影帝Tom Hanks飾演Fred Rogers，筆者極力推薦大家去看。

雖然張先生精通古今古典音樂，但他認為爵士樂和流行樂也能登大雅之堂，最終達至精緻的水平。首先，他覺得流行音樂可以不低俗。這點我不甚同意，因為我認為低俗的流行音樂也可以是社會的縮影，例如大AL、尹光及夏金城的市井歌的歌詞諷刺時弊，反映低下階層的辛勞及苦況，絕對是另類的「精緻」。張先生認為要改善流行音樂，必須發掘高水準的作曲人和有深度的填詞人，因為「好的曲可以試音樂流行，好的詞可以使之流傳。」有了以上兩種人之後，就要有高智慧及具有不迎合市場膽識的人，去開拓新的市場，創造新的需要，建立新的供求關係。我想，鍾氏兄弟正是秉持著這種另類眼光的人，默默地在音樂界的狹縫中竭力提升流行曲的質素。

倪匡在小說《追龍》中寫道，要一個城市滅亡，把其優點毀壞便可。同樣，要摧毁一個城市的優點，毁滅其精緻文化便可。因此，要拯救香港，我們更加要致力推動精緻文化，推翻「崇劣文化」，學懂分辨好壞，提升個人品味。

早前，筆者在面書寫道：「一篇寫得好的中文文章，最重要的兩個元素是邏輯滴水不漏及中文寫得好。中文寫得好的意思包括遣詞用字和描述的精準，及修辭是否流麗等。我的首選當然是兩者兼備的文章，如果文章邏輯妥當，但中文寫得不好，是情有可原的。如果邏輯欠奉，中文雖然流麗但言之無物，仍是沒有可取的地方。一篇邏輯欠奉加上中文拙劣的文章難怪會受到批評。當然，也會有人批評那些兩者俱佳的文章，但我相信邏輯是否妥當及中文是否流暢是有一定客觀性的。換句話說，社會上雖然有見識貧乏的人，但我相信真心想理性討論問題的人大有人在。其實除了中文外，其他各國語文的文章都應是如此，為何我要單獨挑出中文文章呢？因為我只認識中文同英文，法文屬幼稚園程度。相對來說，英文文法比較易掌握，沒有中文那般難寫，所以寫中文比英文的難度為高。因此，中文文章寫得好的人，在世上比恐龍更難尋找。」原來，筆者在不知不覺中又在讚賞張先生。

張先生用秀麗及典雅的文字來襯托具哲理和豁達的觀點，是華人樂評界第一人，未知是否後無來者，但肯定是前無古人。

最後，筆者分享一段張先生的文字與大家共勉：「精緻是一種修養、心態和一種認知，聽音樂和用心來使用音樂器材，的確會給我們許多這方面的啟示。」但願我們能用心、用情、用愛來欣賞們周圍發生的事物，讓我們的世界好一點點。//

文。張照堂

歲月嘮叨

年歲大了喜歡嘮叨
新書第一篇就是嘮叨文
非典型.非官方.非業配.非肥皂的非嘮叨 ....

《非序》

這本書沒有照片，就是些文字與塗鴉。這不是序，只是一些喃喃自語或自以為是的的嘀咕與辯詞。
年輕時說過，攝影是一門「遺憾」的藝術，因為我們沒趕上前人拍照的美好年代。而當我們能拍照時，相機沒帶在身邊、來不及對焦、忘了按快門、膠片耗盡、底片曝光等等 … 曾經邂逅或目睹的景象就此消失，怎麼辦？只有拿起筆來，書寫這些遺憾。
即使你拍到了照片，其中的影像若干年後仍然令人砰然心驚或恍然若失，它留住的現實也可能是一種生命的缺憾。
有時你看到或聽到的現象或流言，抑或旁人無法感知的某種幻聽、臆想或夢囈，也得靠書寫或圖繪才能存留下來罷。
回想起來，最早提筆書寫應該算是中學時代的作文與日記，不過這些都是作業，大部分交待了事。在大學念書時，開始喜歡文藝，看東看西，開始寫些短文投稿當時的校刋，多是一些無病呻吟的內容，細節都忘了。
第一篇成文的，應該是「唯烈日不朽」，刊載在《劇埸》雜誌第五期（1965.7）上，當時的《劇埸》譯稿太多，希望國人多寫稿，在黃華成半哄半邀地敦促下，我匆促成稿。
「唯烈日不朽」是一篇類似實驗電影的拍攝脚本，試着想以幾個簡單鏡頭拍部自我折磨、揶揄的片子，當時或想表現一種不安與虛無，但不免流於形式主義，現在讀來像是一個文藝憤青的練習廢文罷。
第二篇在成功嶺受訓時所寫的「詹姆斯•狄恩之死 - 三幕悲壯鬧劇」，這是畫家秦松邀稿，刊在《前衛》雜誌創刋號（1965.12）上。當年正與鄭桑溪老師合辦的「現代攝影展」，跟台北文化圈朋友開始交往，大家常互相約稿，彼此打氣。這是我首次也是唯一寫過的實驗舞台劇，起因於《劇場》時代看了「等待果陀」演出後，心有戚戚就手癢了。不過畢竟自已學疏氣薄，無法寫出貝克特那種酷酷的荒謬感，只好自虧這是一場閙劇。為避免被譏為胡鬧，就加上「悲壯」兩個字。舞台上的角色隱含卓別林、巴斯特．基頓的身段，正經的滑稽，可笑的悲悽，到頭來全是自說自話，聊以自慰。
60年代中期，西皮、花童、反戰、搖滾等青年文化在美國引燃，蔚為風潮，這股風向很快吹到台灣，但畢竟東西方水土不同，台北不成氣候，只能隔岸觀火，看人家吃米粉喊燒。當時《設計家》(1968.9)邀稿，就寫了篇「西皮走路」，並和羅璐珈合翻了一篇「老調牙的西皮觀」。其實，「西皮走路」就是一篇資料的匯整與引介，並乘機將十九世紀作家亨利‧大衛‧梭羅 (Henry David Thoreau)抬出來壯聲勢。其實追根究底，梭羅就是西皮的祖師爺，他鼓吹的「生命回歸大自然」即是西皮的信仰根基。梭羅在「湖濱散記」中寫下的句子，譬如： 「埃及的麥子是從一個木乃伊手裡傳下來，一直到了我們今天的。」、「我們換羽毛的季節就像飛禽一樣，必然在生命之中是一大危機。」、「有些”情況證據”是非常有力的，譬如有時候你在牛奶裡發現一條鱘魚。」、「生活就是清醒。我還沒有遇到一個很清醒的人，要是見到了他，我怎敢凝視他呢？」等等 …. 皆是引人發噱又深省的睿智哲言。
1969年中視開播，我也考進新聞部。那時候直屬長官是張繼高先生，他給了我很大空間去拍片做節目，「新聞集 錦」、「六十分鐘」的播出也頗受年輕人關注與喜愛。當時我將民俗與藝術、傳統與現代、音樂與影像交錯互搭在一起，是很新頴的嘗試，也影響自己日後許多創作與思考。
1973年張繼高創辦《音樂與音響》雜誌，囑我寫些文章，當時他已是古典音樂的權威撰介、推廣者，我對古典東西卻一竅不通，他說你就寫你想寫的。我毫不猶豫的寫了「狄倫文化」，並翻譯一篇很長的「訪問狄倫」，將當時在台灣較少被談及的鮑伯首次大篇幅報導出來。六O年代的狄倫以內省與批判的音樂風格引發風潮，他卻很討厭媒體與記者，「訪問狄倫」是難得接受花花公子雜誌的一篇訪問，尖酸刻薄、嘻笑怒罵，他的回答極盡睿智又脫序，是一篇相當精彩的對答與辯證。由於某種原因無法在這裡刊登，有興趣的朋友可以去買一本《音樂與音響》創刊號來看看，或注意我們的臉書網頁上。
早年有人問及他的音樂是要傳達甚麼信息時，狄倫狡黠的說：「將你的腦袋管好，身邊永遠攜帶一個燈泡。」這句話成為許多人的趣談與格言。70年代，狄倫音樂已經成為西方新一代文化的代名詞，這兩篇文章能在以古典音樂為名的雜誌上刊登，老氣橫修中帶點年輕與叛逆，也算一種平衡與進步，後來我陸續又寫了好幾篇介紹新搖滾樂的文章在這個刊物上。。
「進香客日記」是1975年和黃春明跟拍「大甲媽祖回娘家」的隨行札記，這是《芬芳寶島》紀錄片系列第一部，播映後也獲得許多迴響。影片聲光具備，總是比較感性、動情，但也缺乏較冷靜及細微的觀察角度。「進香客日記」嘗試去回述這八天行程中，個人私己的心情感受。文中提及香客、乩童、媽祖、搖滾 … 似乎有點怪異或一廂情願，但卻是我當時的聯想與體悟。今天看許多年輕人跟隨大甲媽或白沙屯媽進香，徒步行軍，就地而眠，跟着神轎又搖又晃地進入廟堂，那種精神和狀態好像跟當年的西皮或搖滾客沒甚麼兩樣嘛！
70年代在電視台上班，偶有機會出國採訪，看見國外美術舘出版的影像週曆很有意思，返台後就想如法炮製一番。「《生活筆記》隨筆」寫的就是編書的構想和一些隨筆札記。那一陣子我會隨身帶一本記事本，看到街頭發生有趣的事、報紙上奇妙的新聞、文學名著上的狡穎彙言、電影或電視劇裏荒謬的對話或傳聞中的八卦異聞等抄寫在筆記本上。當這些斷句短文和一張不搭嘎的照片配對時，有時會產生很奇妙或極嘲諷的指涉或隱喻，文圖交會，意象變得更鮮活、有力。「生活筆記」刊載了許多名人、藝術家的肖像和一些攝影朋友的作品，在七〇年代末連續出了四年 (1977-80)，還外加一本「搖滾筆記」，現在在市面上也絕跡了。
因為編「生活筆記」，曾經到處尋找老照片，有一回在江仔翠朱銘的工作室，翻到他相簿裡一張很吸睛的照片。六個無所是事的年輕人，兩人抱着小孩，一人牽着猴子，三人吸著菸，他們或蹲或站的在通霄海邊留下一幅紀念照。宛如是閩南語歌曲《漂泊的人》、《流浪男兒》般的人生，有些宿命，又顯現大無畏的姿態，他們在沙灘上，直瞪着鏡頭，空氣似乎當下就凝住了，那真是一張象徵青春與流放的人生劇照。後來奚淞將它彫成版畫，林懐民再將它放大當成佈景，編作了《我的鄉愁我的歌》舞劇。「頌輓青春」寫的就是對這張照片引發的片段回憶與迥嚮。
「另一種遺忘」、「另一種注視」是刊載在漢聲雜誌改版的《民間文化剪帖》(1994)系列上，類似「生活筆記」續篇，藉由老照片重新猜臆與思索另一種可能的想像。因為我們善於遺忘，所以必須一再凝視，瞪着每一張臉孔長久，努力將自己拉回當年時空，回到彼時的服飾、眼神與溫度上。一張照片告訴你的可能只是一些細節與表相，許多線索與推敲須靠記憶與想像來追述、補遺。每一次的閱讀都是另一種注視的開始，導致另一種提醒，最後又以另一種遺忘結束。
在歲月的旅途上，我們總會遇上一些不凡的朋友，「四則傳說與印象」是對陳達、洪通、夏曼 • 藍波安與莫那能等這四位人物做的一些轉述與想像。根植於他們對土地、信仰、海洋、黑暗中的護育與抗對，那種殊異的生命基因與歲月歷練，塑造出一則則傳奇。我只耳聞皮毛，簡短書寫只為了向他們致敬。
陳達於我記憶當中，就像是窩在儲藏室角落一只老舊卻發亮的檜木箱子，距離久遠但仍有餘蘊，箱子裡似乎有掩蓋不住的聲音等待釋放。
1971年與朋友去窮鄉僻壤的恆春鄉下訪問陳達，他坐在路邊月琴一彈，蒼老、高亢的歌聲吟唱開來，村民、水牛從他身旁穿行而過，原本寂寥的村落似乎一下子成了永恆的風景。76年有朋友邀他來台北駐唱，我時而跑去找他聊天，聽他唱歌、訴怨，陪他去新店溪畔、關渡河口吹風，但他一直悶悶不樂，台北不是他的家。77年我邀李光輝與陳達見面，聽我簡單訴說李光輝的背景後，陳達隨口唸唱出一個高砂義勇軍在南洋參戰、避難的故事，兩個歲月老人的生命堅毅與滄桑就閃現在他們的眼角與皺紋間，而歌聲在耳際迴盪，諸神無言。兩年後，李光輝因肺癌病逝於台東原鄉，四年後，陳達在屏東楓港遭客車撞擊身亡。我在《生活筆記》(1977)裡刊登了一張陳達仰首高歌的相片以及六張李光輝返鄉歸宗的組照，藉此向他們致意。在《生活筆記》人名索引中，我這樣註釋：「陳達，鄉土民謠歌手。屏東恆春人。他唱的歌讓人想起久遠久遠的故鄉。他把只有兩條弦彈得出神入化，而他的歌聲，醇厚、樸實，有如一把生鏽的鋤頭砍入泥土中，你如果是泥土中的一條蚯蚓，當能體會切膚之痛。」
陳達過身後，我去他的祖厝和新墳探望，陽光與風聲伴隨着冥墓間的亡靈，破舊的月琴孤獨地斜掛在老厝牆上。「思想起陳達」一文是我對他的回憶與想望。
「走唱的生命 – 人間盲歌手」 談的是兩位那卡西歌手 – 金門王與李炳輝，這是超視紀錄性節目《生命．告白》系列中的一集。他們兩人戴着墨鏡，一個揹着吉他，一個抱着手風琴，手搭肩地走過淡水的小街巷弄，形塑了動人的港邊風情。看不見的，就大聲唱出來，盲歌手透過走唱傳達人生的稀微與寄望。
《劇場》年代認識的一些朋友，每位手上都有一面鑼和幾把刷子。「眼淚 、洗手、還我頭來。」是在陳映真(1937-2016)、邱剛健(1940-2013)和黃華成(1935-1996)三位過世時所寫的感念短文。1961年陳映真書寫的短篇小說「那麼衰老的眼淚」、1965年邱剛健發表的詩作「洗手」、1966年黃華成的「大台北畫派宣言」以及1995年黃華成手繪的「還我頭來」，在意念與內涵上似乎就影射了他們三人獨特的性格與命運。陳映真的沉重與憂傷、邱剛健的前衛與淫蕩、黃華成的顛覆及反叛，在台灣文化圈都點燃了一種無人可及的光芒，他們的才情與膽識值得記上幾筆。三個人曾經在《劇場》時代共事，也合作演出過貝克特的「等待果陀」，後來分道揚鑣了，在遠行之日，他們等到果陀了嗎？或者果陀根本就是個騙局？
關於表演藝術，我也自不量力地塗寫了三篇，純粹是觀舞之後的一些遐想。 「旅人」是看了雲門舞集的《九歌》後，對其中一個配角 – 提着皮箱的現代旅人十分感興趣，他在古代的鬼魅神話場景中穿插遊走，還拿着雨傘，到底要幹甚麼？後來一想，他就是林懷民啊，他就是那個時光旅人，一個不甘寂寞、隨時想介入、攪局的外來者。
「那麼衰老的軀體」 是對日本舞踏家大野一雄在《死海》、《睡蓮》演出後的一篇禮讚。這位耽溺於鬼魂、輪迴與末世紀殘像的「暗黑舞踏」宗師，享年103歲，他在1994年訪台演出時已是88歲。這一具可能是舞蹈世界中最衰老的軀體，在舞台上訴說的是關於愛、關於恩典、關於優雅與淒涼、關於胎兒、死亡以及黑暗 …
1995年初，法國舞蹈先驅瑪姬‧瑪漢在台北演出《May B》–一齣以貝克特劇作為靈感的舞蹈，「存在的幽靈」是書寫觀舞後的聯想。一群木乃伊般裝扮宛如風雪摧殘下的流浪者，在舞台上推擠、嘻笑、謾罵、爭鬥，卻也充滿了對生命的愛、恨與憧憬。他們是山姆．貝克特筆下的卑微人物，受傷的心靈訴說着生命的幽微與晦暗。存在，對貝克特來說，就是注視一個人自己存在的努力。貝克特的角色在努力的時候從不孤單，這讓我想到陳達、洪通、夏曼、莫那能、陳映真、黃華成、邱剛健等，努力的人不孤單。
在音樂聆聽上，鮑伯‧狄倫和里納．柯恩是我最佩服的兩位歌手，我常常想，如果狄倫是一把淒厲、顫抖的口琴，柯恩就是一隻沉重、哀鳴的低音貝斯，如果狄倫像一把銳利的尖刀，柯恩就像一塊苦海中的浮木，在憤怒與接納、反抗與包容、哀痛與救贖間，他們徘迴其間，盡情吟唱。「流放的詩人歌手」和「裂縫裡的光」是兩篇對柯恩致意的短文，從詩歌、宗教、政治、禪坐、藥物到情慾，柯恩有他自己的主意與堅持，透過歌聲，他蜿蜒唱出卡繆所說的：「人必須生存到那種想要哭泣的心境。」
關於攝影，過去也書寫不少。「1962 • 夏日」這篇短文從60年代的竹東五指山、板橋、澎湖談起，那些殘缺、無頭、石雕般的青春軀體如何在自己的成長中逐漸成形，從而變成心中的一種招喚與夢魅。那是一個純真、孤絕的年代，處於一種自在又迷茫的追尋過程，現在回想起來，實在又虛空。成長，永遠是一段吸收、學習、尋找與實踐的過程，一邊迷失，一邊憧憬，一邊找到。只是，找到以後又迷失了，青春、光滑的肌膚已滿佈皺紋與斑點。
「另一種言說」是為《另一種影像敘事》中譯本寫的序。這本由約翰‧伯格與尚‧摩爾合著的攝影論述，討論攝影者、被攝者、觀看者之間的環環牽繫，延伸出另一種遊走於紀實與想像間的攝影敘事之道。照片意味什麼？影像如何生成、使用、詮釋？攝影是真實嗎？還是謊言？圖說是理解之必要，抑或是想像力的扼殺？攝影有太多可能與不可能，這本書提出一些探勘與反思，「另一種言說」一文只是在旁邊搖旗吶喊幾聲罷了。
「另一種歲月」是本書收尾篇，2013年回顧展的感謝書寫。那次展出麻煩許多學長、摯友撰文，書寫過去的相處記憶與心情，以及在攝影旅程上一些迴響與砥礪。那些無法化成影像的歲月，那些擦肩而過或已然忘卻的歲月點滴，因為書寫而或顯現微光，「另一種歲月」是向這些友人與記憶揮手並致意。
本書中所附的插圖大部分是60年代的隨手塗鴉，為甚麼會畫這些？大概是書寫已技窮，只能在不成形的線條中找出路，路的末端有光嗎？不知道，繼續找路就是了，一路好走。

( 2018.6.25)

TopGear與太極樂隊結他手Hi Fi德一邊駕駛Lexus ES，一邊聆聽原廠Mark Levinson音響，探究一下發燒car audio的過去與今天。以無線藍牙和Spotify等串流播放音樂會否嚴重失真？汽車音響最重要的就是低音夠強勁？Mark Levinson這個牌子有何典故？Hi Fi德會一一跟大家研究研究。
除此之外影片當然不少得將Lexus ES變成流動音樂空間，於車外車內進行天才表演環節。
太極樂隊樂迷、Lexus車迷、音響發燒友，這段片應合你口胃（或耳膜）。
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不只外在美，還有內在更美 文：Lee388
STST 《Motus II DQ》懸浮直驅式黑膠唱盤

不知道大家起初接觸黑膠唱盤這個玩意時，會不會被很多名詞嚇怕，使到大家望而生畏，我記得當年我初嘗黑膠時，並沒有互聯網，初學調校黑膠唱盤沒有前輩教路，我是從圖書館借一些相關書籍和看音響雜誌來學習黑膠的調校細節，了解各式各樣名詞，從中知道怎樣安裝黑膠唱盤，我就是這樣開始進入“黑社會”行列。相對起今天上網找資料和看影片，要獲得調校黑膠唱盤的知識可謂容易得多，不過有時網上資訊太多，亦不是全部正確，不像書本和雜誌始終經過校對才出版，所以大家想玩好黑膠還是親身接觸，落手落腳調校來得實在。

提到黑膠唱盤相關名詞，我和大家先分享以下這些：
硬盤：當然這個不是電腦上的儲存資料的硬盤（hard disk），這是指黑膠唱盤沒有任何懸掛，是用轉盤本身的重量來對抗外來的振動，這類設計的唱盤一般稱為硬盤。

軟盤：在黑膠唱盤發展初期，軟盤是比硬盤早發展，軟盤是指唱盤的摩打、轉盤和唱臂承托部份是有懸掛結構承起，目的是阻隔外來的振動，而這些懸掛結構就包括彈弓、橡筋等物料。

帶動：驅動摩打經皮帶帶動轉盤轉動。至於這個皮帶，不同廠家會用不同物料。

直驅：這是指帶動轉盤的摩打是直接驅動轉盤轉動，摩打往往就是轉盤軸承的一部份。

世界首個直驅軟盤
為何要在這篇試聽報告之前大費周章與讀者們溫故知新？因為今次為大家介紹這個來自德國的STST Motus II DQ黑膠唱盤，它的設計是相當獨特，這是一個直驅軟盤（懸掛式）。可能大家會問這個設計有何特別？不也是上面提到這些設計嗎？大家沒有錯，這個Motus II DQ黑膠唱盤表面上也是傳統方式設計，不過當大家再細想一下，我們一般認識的黑膠唱盤當中，是沒有一個以直驅轉盤來結合軟盤設計的（如果讀者們知道有這樣設計的黑膠唱盤，請告知小弟），通常直驅唱盤大都採用硬盤式設計，這個就是Motus II DQ黑膠唱盤的最大特色，直驅軟盤可能是世界首個！

在未開始介紹Motus II DQ黑膠唱盤前，我先簡單介紹這家來自德國的STST廠家，這家公司的創辦人和設計師是Mr. Stefan Strohmetz，而公司的名稱STST就是取自他的姓氏和名字的頭兩個字母，原來Mr. Stefan Strohmetz年青時已經醉心研究黑膠唱盤，並於1985年創立STST這家公司，而且開始設計及製造黑膠唱盤、唱臂等黑膠相關的產品。

如果大家只憑肉眼去看這個STST Motus II DQ黑膠唱盤的外觀只是上圓下方的傳統黑膠唱盤，而廠方可提供不同木紋的唱盤外框給買家選擇，可是當用手輕按轉盤時，會發覺轉盤在上下晃動，原來轉盤與臂板是懸浮設計，當然這個也沒有什麼特別，一般軟盤也是這樣，不過當把Motus II DQ的外框拆開，這時看到一個非比尋常的內部結構，坦白說當我首次看到時，我也嚇了一跳，真的從未見過一個黑膠唱盤內面會這樣複雜。

開始試聽
這次試聽這個STST Motus II DQ黑膠唱盤是在寒舍進行，唱盤是放在CMS Black Diamond承板上，配合的唱臂和唱頭是我的參考組合，這包括Thales Simplicity II唱臂和Lyra Atlas動圈唱頭，唱頭放大是Burmester 808MKV前級內的MC II模組咭，經Burmester 808MKV前級以Burmester平衡線接到Burmester 909MKV後級，再以Burmester Silver喇叭線接到TIDAL Contriva G2揚聲器，而近期在Contriva G2每邊其中一隻釘腳上接了一條ASI Static Cable，據講這條線有導走振動的作用，接了之後發覺聽多了揚聲器發出的細節，今次試聽這個Motus II DQ黑膠唱盤正好表現出這個唱盤的寧靜度。

疑問重重
試聽這個Motus II DQ黑膠唱盤前是充滿著疑問，一般說法直驅唱盤不及帶動唱盤寧靜，不過根據廠方的資料，Motus II DQ唱盤內的摩打溢散出來的抖動能量只有0.5 Watt，比起傳統帶動唱盤的5 Watt低了10倍，所以產生出來的噪音和抖動會比帶動唱盤更低。還有我也試聽過不少帶動唱盤，很多時噪音和音染的來源就是來自帶動的皮帶，到底這個直驅唱盤是不是完全可以克服以上問題？另外一個疑問是Motus II DQ唱盤採用軟盤設計，傳統說法軟盤是偏向音色的取向，還有當調校好後，經過一段時間就需要再調校，不過據STST廠方說法，就以上問題Motus II DQ唱盤採用一些嶄新的方法來處理軟盤，首先軟盤經過一段時間使用就需要調校，最主要原因是三個受力的彈弓承托的力量不均，所以經過了一段時間後這三個彈弓就自然各自有不同的變化，而Motus II DQ唱盤就是採用砝碼來平衡唱臂這邊比較重和受力的問題，使到各個彈弓平衡受力，還有所採用的彈弓不是傳統的彈簧，是廠方特製品來避免以上問題。最後的疑問，直驅與軟盤結合，這是我從未接觸過，是不是如理想中兩種設計的好處也發揮出來，還是各自的缺點反而表現出來？既然是這麼多疑問，單憑外表也不能知道，最好就是親手試聽來取得結果。

寧靜度超級優異
在寒舍開聲的STST Motus II DQ黑膠唱盤，第一個給予我的聽感是相當寧靜，當唱針落在唱片上沒有音樂的位置時，在揚聲器好像完全聽不到有半點聲音，正常是有一點點底噪，就是因為這樣，我有好幾次落下唱針後也不奇然要看看唱針確認是否已經落在黑膠上，這是我試聽過所有帶動唱盤從來沒有的經驗，有這樣的優勢，音樂播放時自然更能播出音樂中最細微的細節，使我有點好像聽CD的感覺，大家不要誤會這個不是貶義，我想表達是這種寧靜度和安定感真的有如聽CD一樣，有以上的感覺，我相信是直驅盤免卻了皮帶，還有以浮盤設計來抵消外來振動有關。經STST Motus II DQ唱盤播放不同種類的音樂，我發覺這個唱盤沒有特定的音色取向，這是偏向中性，盡量還原出唱片上記載著的音樂和情感，Motus II DQ沒有外加任何渲染。至於低頻的表現絕對聯想不到這是軟盤設計，低頻是充滿量感和細節，下潛力強，比起同級硬盤也絕不示弱，還有當播放大爆棚音樂這種規模感，絕對估不到是這等大細的唱盤可以做得到。另一樣優點是播放管弦樂的深度和闊度也相當理想，我估計這個與軟盤設計有關，聲音是相對寬鬆一點，而且來得穩定。

就以其中幾張用來試聽的黑膠來表達出以上聽感。先來超強的寧靜度，這張Ida Haendel《A Classical Recital》最能表現出來，Ida Haendel的拉奏力量可剛可柔，強弱之間的對比是最考驗器材，好多情況下強音是容易播得好，弱音是來得不易，而這個STST Motus II DQ唱盤播放這張黑膠是給我從未如此興奮，聽多了很多從前未聽過的小提琴輕微抖動的細節，小提琴泛音豐富，營造出一個非常立體的空間感，聽到小提琴發聲位置牢固地釘在空間中，與伴奏的鋼琴一高一低，比例適中，而鋼琴琴音清晰之外，這種琴腔衍生出來的低頻，給予我很少能在黑膠上感受得到這種穩定的感覺。

中性還原
Amanda McBroom的《Dreaming》黑膠可謂女聲名盤，一般聽到這張黑膠內Amanda的歌聲都是婉美、溫柔，這次經Motus II DQ唱盤播放下，使我有種不一樣的感覺，伴奏音樂同樣細緻、鮮明，不過Amanda的歌聲就如唱片封面她所穿著的絲質外套一樣，表面是滑不溜手，不過細看之下原來是暗藏皺褶。就像她的歌聲表面是甜美溫柔，不過Motus II DQ唱盤帶我進入一個更深的層次，可以聽到歌聲帶點沙啞，表現出更為細膩和深切的情感，可能大家熟悉這張唱片的發燒友未必知道我所表達的含義，這個我也明白，因為未用Motus II DQ唱盤聽這張黑膠之前，我也未曾有以上的聽感，我知道Motus II DQ唱盤不帶任何音色上的修飾，這是完全表露出黑膠內蘊含的情感，所以才可以有這樣不同的體會。

低頻表現力超乎預期
另一個疑問是浮盤一向是低頻相對較弱，所以找來這張《Adagio Albinoni》45轉黑膠來試試Motus II DQ，這是Gary Karr負責低音大提玩，Harmon Lewis負責管風琴，收錄了兩件低頻至超低頻同樣凌厲的樂器，這張黑膠我稱為踢館碟，如果帶去家訪，機主隨時會面黑黑望住你。看看Motus II DQ唱盤可否通過這個低頻考驗，坦白說浮盤播低頻，我之前聽過不少，可以達到那一個程度早已心中有數，所以也不會有太大期望能與重型硬盤相提並論，可是今次聽到播放這張《Adagio Albinoni》出來的效果比我預期有過之而無不及，兩樣樂器同樣清晰分明，低頻毫無混濁，可聽到低音大提琴嗡嗡的低頻滾動下仍可聽到拉弦的線條，管風琴的低頻震至褲管打振，亦可清楚分辦出的管風琴的位置比低音大提琴後，還有就算播至天崩地裂的音量，也沒有半分凌亂的感覺，不知這個是否與浮盤設計有關，聽到這樣宏亮，規模感豐富，還有迫力強橫的聲音，Motus II DQ唱盤處理低頻的能力高分過關，我找不到有任何可挑剔的地方。

最後，聽聽這張羅文的《情繫佛羅內斯》45轉雙黑膠，這個錄音是向顧家煇和黃霑致敬，當年是羅文飛到佛羅內斯以管弦樂團伴奏下演繹兩位大師的金曲。播放這首《明星》至中段有一些Bass Drum輕力敲打下的聲音，這個是極難播得好的低頻暗勁，而STST Motus II DQ毫無保留地播放出來。《今晚夜》開始時羅文引頸高歌的清唱段落，清晰聽到音樂廳的迴響，非常有現場感。還有樂團各樣樂器從近而遠，從左至右營造出色彩燦爛的場面，羅文千變萬化的情感，頌放出氣韻醇厚的歌聲，好像把他畢生歌唱的功力就在這個錄音展露出來，今次聽這個Motus II DQ唱盤的發揮，完全沒有辜負羅文的一番心機。

結語
不知道閣下選擇黑膠唱盤要有什麼條件？如果是以威猛外型先行，又可能以聲音甜美，播任何錄音都一樣靚聲為先決選擇條件，或者又以可裝得愈多唱臂就愈好。要符合以上選擇黑膠唱盤的條件，我相信這個STST Motus II DQ黑膠唱盤未必合閣下杯茶。可是如果閣下是以播放聲音準確為先，要找一個可以靜心欣賞音樂，不要每天左調右校的玩具，這個來自德國的STST Motus II DQ黑膠唱盤必定列入閣下選單之中，還有當我詳細試聽過Motus II DQ唱盤的聲音表現，我相信同價位的唱盤中，以聲論價這是其中一個最突出的黑膠唱盤，所以我已經把這個STST Motus II DQ黑膠唱盤列入我的目標。

STST 《Motus II DQ》規格：
懸浮直驅式黑膠唱盤
提供18V外置式電源供應
轉速：33 1/3 和 45
耗電量：5 W
呎吋：48 x 22 x 40 cm （WxHxD）
重量：20 Kg
定價：HK$98,800

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#黑膠 #粵語youtuber #黑膠唱盤

馬勒第一交響曲室樂版
發行：明達音樂
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世界首度錄音: 馬勒第一號交響曲室樂版

MEOSA 80012
Mahler: Symphony No.1 (SACD)
馬勒第一號交響曲 (室樂版 – 世界首度錄音)
For Chamber Ensemble (World Premiere Recording)

獲得多個獎項、韓國首爾愛樂樂團副指揮、當今亞洲最炙手可熱的香港年青指揮家吳懷世 Wilson Ng，領導Ensemble Omnia Hong Kong於九龍女拔萃音樂廳傾情演奏由Andres Riderelli編纂的馬勒第一號交響曲室樂版，香港著名錄音總監Raymond Lo負責錄音、混音，將最晶瑩醇郁的室樂音色、準確無誤的動態和定位、無與倫比的臨場感完全表現，令你忘掉音響系統的存在！原裝德國版，並以Hybrid SACD印製，全港音響雜誌、音響Facebook網絡平台重點推介，明達音樂Master Music榮譽出品！！

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