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七月出版的這兩本台文繪本，我真的很想去各位府上按電鈴推薦給你。
第一本是《熱天的時陣》，第一次看到這本書，是在去年圖畫書俱樂部的手作繪本展當中，一看到就好喜歡。文字很輕快，描繪出夏日鄉間的童趣時光：芒果樹、西北雨、傻氣的遊戲都讓人想起童年；膠板版畫的圖非常清爽耐看，時而靜謐，時而歡騰。內頁以台文為主，配上華文的小字，即使不熟悉台文的讀者，也能輕鬆搭配著看，而且兩種語言，有各自的韻律和美，對照著讀，非常有意思。
《春天佇佗位》是由台語兒歌改寫而成的作品，這張專輯是2006年發行，已傳唱15年。我相信，應該有許多孩子在成長的過程中，都有這首歌曲的陪伴，我也非常喜歡這首歌。轉變為繪本之後，依舊輕快可愛，還多了兩位小主角，領著小讀者一起四處找尋春天，閱讀時，應該會有和玩伴結夥同遊的感受，在日常世界的小美大美之間無事晃蕩，真是童年最快樂的事了。
＊《熱天的時陣》，聯經出版
＊《春天佇佗位》，玉山社出版
這個月去一家巴黎的畫室跟一位師傅學金屬版畫～ 新技能get！
左邊是拿銅板然後用雕刻刀刻，是我的第一張成果😂 不同於軟的塑膠板版畫，拿雕刻刀在金屬表面施力要正確之外（因為沒正確會爆衝，或是刻的線條不夠圓潤），還要鏡像思考構圖與創作,總之這方面我適應超久！
右邊則是利用紋理在鋅版上去做壓印後泡酸溶蝕多次（至少有快九次來回），重疊後的效果。
雖然之前說到手受傷不太能做這些雕刻的作品，可是還是忍不住去學了😂 最近都在做練習版，希望之後能有一些不錯的作品給大家分享❤️
#金屬板真的好難刻啊啊啊啊啊啊
＃水墨＃梁震眀＃水墨畫家
鄰近靳珩公園，位於立霧溪與魯丹溪交會處的印第安酋長石，是花蓮太魯閣國家公園相當著名的地質景觀，因視角的錯覺，組構出有如人臉造型的奇石群，矗立在溪畔上，讓人忍不住想多看一眼，好見識這巧奪天工般的自然奇觀。
如何將所畫題材營造出有如太魯閣峽谷那般的視覺強度？藉由台灣各地搜羅的奇石圖像，以小觀大，用貼近藝術的手法，假像虛構的方式，將其搬到近雲山巔處，當想像的連結空間變大，方寸之間的畫面也就有更為大器的可能。
【實景‧虛境‧真山水 梁震明的墨色台灣】 國立成功大學歷史系所美術史教授 蕭瓊瑞
梁震明的細筆山水，是戰後台灣水墨現代化運動中，從材料學與物象學一路切入而獲得具體成果的代表性藝術家。
1971年次的梁震明，並未經歷台灣1960年代的抽象水墨風潮，也未能得見1970年代的鄉土運動，在他稍稍懂事的年代，台灣已經進入1980年代的美術館時代，而在裝置、數位，乃至行動多元蹦發的90年代，他卻獨獨選擇了以看似最為傳統的毛筆水墨，作為創作的工具和媒材；這似乎和他作為「外省第二代」、且出生成長於被視為具有濃厚「眷村」特質的高雄岡山，有著一定的關聯，而在學校擔任工友、獨身撫養三個小孩的父親，更是引導、支撐他孤獨奮鬥、精勵上進的重要支柱與力量。
國小畢業，在韓永、李春祈等老師的啟蒙下學習水墨畫，一路從國中美術班、高中美術班，在1991年考入校區仍在蘆州的國立藝術學院（今國立台北藝術大學）美術系，師事李義弘(1941-)與林章湖(1955-)，也正式展開了他水墨繪畫的探研之旅。
1993年，他以碎筆萬點的手法，表現台北草山、九份地方的芒草，呈顯一種荒蕪與孤獨的美感，開始了他「水墨台灣」的系列創作，也引起了眾人的注目。1994年，他除了獲得該系系展水墨組第一名的成績，同時也獲得了馬壽華獎學金，及張穀年獎學金第一名；隔年（1995），再獲張穀年獎學金第一名，及劉延濤獎學金第一名，這些傳統水墨畫家的獎學金頒給，在在肯定了梁震明在傳統水墨方面的用心與成果。不過，如果更深入地考察梁震明在這段學習過程的面向，便可以發現他自我要求的廣度與深度，包括在中國美術史、佛教史、器物史，及日本膠彩畫的多方學習；1996年，更獲得慈濟藝術類美術理論組的獎學金。
這一切的努力與成績，反映了這位年輕的水墨研習者，顯然不願拘限於傳統水墨的窠臼，意圖尋找出另一條更為寬廣而深入的路徑。他曾說：「倘若我們將水墨視為單純的一種材質，那麼其屬性是否該被深入的探討。因為我們對這些材質的認知，經常來自傳統的規範，而較少本我的分析、推理與判斷。當我們對眼前的任何事都視為理所當然的時候，缺乏進一步的思辨，就會矇蔽自我的智慧，如果僅是相信前人的體略，卻沒有去思索其背後所隱藏的道理，蕭規曹隨般的跟隨其步伐，必然無法超越他們的成就，提出更有開創性的見解。」
在大學時期全方位的學習，以及短暫的中學教職後，1999年，梁震明重回母校，進入美術創作研究所進修，並在李義弘老師的指導下，展開「墨與黑」的材料研究，完成〈墨與黑的創作思辨〉碩士論文。
這個階段的研究，從材料學的角度出發，梁震明徹底地分析了中國水墨的墨色與西方繪畫顏料中的黑色，兩者間的不同。除了材料屬性上，墨所含的碳粒較細，色調固定，黑則較粗，亦會因成分不同而有不同的色調變化；更指出：在前人的使用觀念上，墨是重寫，黑則是畫，因此，在東方的藝術發展中，才發展出「書畫同源」的概念。(註1）
這種看似純粹材料學的研究角度，其實正是梁震明徹底掌握創作材料，同時也為自我畫類定位的一種深沈反省；因此，他說：「墨屬於廣義的黑色顏料，無論作品中是否用墨，現今的情況下依然會被視為水墨畫，如果創作者未曾提示的話，況且『近墨者黑』，所以也無所謂畫類定位的問題；而畫類的定位，只是方便溝通的一種狹隘界定，而這種界定不盡然等於創作者認知的界定，唯有模糊或是衝撞這種材料界定，才能獲得無限的可能。」（註2）
又說：「水墨的傳統是一種時空背景下逐漸發展而成的，但如何讓充滿西式視覺經驗的當下觀眾，重新認識水墨的當代價值，這樣的採用，正是覺醒下的選擇。」（註3）
2002年，他就以「墨與黑的創作思辨」為題，推出研究所畢業展於台北羲之堂。那些綿密素樸的墨
點，烘染出層次豐富、形式多變的台灣山脈、岩石，擺脫中國古老的山水意象，直接從台灣的自然切入，那是親眼所見、心中有感，沈澱為生命情緒的一部份。而畫面豐富的層次，正是他研究所時期媒材研究的具體成果，為了對各種知名古墨的掌握，他曾走訪中國蘇州姜思序堂、周庄、上海、 _杭州、安徽歙縣胡開文墨廠及黃山等地，更自製各種不同材料的墨條，包括：石榴、檳榔心、杜仲皮、燈草、桐油……等，逐一試用，甚至製成色票，相互比對。
研究所的畢業展，也引發了藝評界的注目，以「層層染點．古墨新研的樸實路線」（註4）來形容他。
梁震明，畫如其人，人如其畫，那種樸實、綿密的風格，也展現在他為學求藝的生活態度上。研究所畢業後，在原有論文的基礎上，全力深入、持續探研。2003年，他又完成並發表〈日製液態墨的材質特性及使用方法之研究〉一文（註5），這是將當時台灣市售的33種日製液態墨進行試用及比較，得出多點特性，並發現指出：日本廠商所製的液態墨，主要是適合日本書畫界的創作觀點而生產的；因此，使用者的認知與選擇，才是主導這些墨品材質特性的關鍵因素。
歷經五年的研究、整理與擴展，終於完成《墨色的真相》一書，由國立編譯館補助出版。其中涵蓋的主題，包括：歷代畫家使用墨與黑及相關材料之種類說明、墨與黑之相關著作介紹、固態墨、液態墨及黑色顏料的製作工序及流程比較、中國歷代製作固態墨的流程分析與介紹、歷代文獻關於墨與黑之製作流程及概念的探討、歷代畫家使用墨與黑之方式及邏輯的比較、材質特性與使用方法及概念之關係研究等。《墨色的真相》可說是當代畫壇在材料研究上最具典範性的成果。
梁震明是以學術研究的態度面對創作，一如民初畫家黃賓虹的耗費巨大精力整理歷代畫論，彙編成《歷代畫論叢書》，也增美自我的創作。
梁震明的研究精神也展現在他獲得國藝會補助、與廣興紙寮合作撰成的〈中性紙材開發與成效研究〉（2005），及走訪全台三百多座廟宇，拍攝近萬張照片的「台灣寺廟龍柱造型之研究」（2006-2010）；後者於2010年，由國立編譯館補助出版。
回到創作本身，2002年北藝研究所畢業後的這段時間，顯然是一個重整、深入整備的階段。2004年任教台中僑光技術學院，往返途中，經常前往苗栗後龍外埔拍攝海邊石滬；而在一個偶然機緣下，更接下了全台茶山之旅的拍攝工作，走遍了梅山龍眼林、鹿谷大崙山、大禹嶺、梨山，和嘉義石桌等地，對台灣的山林有了更深入的觀察、感受與瞭解。
事實上，2001年春天，梁震明就有機會首登大陸黃山，這是多少水墨畫家歌詠描繪的聖山，古松、奇峰、雲霧……，自然也給予梁震明極大的震撼，但他說：「雖有千景可選、奇石可畫，但無法長居，總有著霧裡看花難以動筆的感覺。」
2007年，梁震明轉任國立台南藝術大學藝術史系教職，也將生活重心轉回創作本身。2009年的「黑色的覺醒」個展，正是這個階段創作的一次總結。〈綠草黑世界〉（1995-2009）、〈黑葉下的台南孔廟〉(2008)、〈黃昏下的黑山〉（2009）、〈聳立在一片山巒的黑岩〉（2009），都是這次展出的幾件重要作品；在較為逼近的構圖取景中，呈顯樹葉、草叢、山岩、雲氣的豐美質感。這是梁震明在大量的照片分析下，捕捉現場的感受，以格物致情的方式所逼視出來的一種幽情，純粹畫景，空無一人，帶著一份深沈的孤寂與寧靜。
2010年，長期以來的精神支柱，父親病逝於高雄榮總，讓梁震明對生命有了新的體悟。經歷一段「無名虛相」的抽象水墨山水創作，撫平了失怙的心靈創傷；2012年的「海景」系列，重新回到細筆寫實水墨的路向，但畫面大為開朗，甚至加入了較多的色彩運用。
原來自2008年以來，梁震明便被澎湖特殊的自然景緻所吸引，節理分明的玄武岩，加上海天一色的開闊氣象、孤立海隅的小島、白色的沙灘…….；此後，他多次前往澎湖探訪，走遍七美、望安、桶盤，及目斗嶼、姑婆嶼……這些南北列島，也重訪宜蘭頭城、龜山島、屏東墾丁、旭海，及貢寮龍洞、南澳粉鳥林，和台中梧棲高美溼地，更不必提及自學生時代就經常和師長前往的北海岸淡水、石門麟山鼻、老梅等地。此外，也前往日本沖繩座間味島、古宇利島、瀨底島及石垣等地，比較不同文化下的自然景觀。
梁震明的創作取景，完全是以一種幾近物象學研究的科學手法，現場寫生不是他的創作形態，部份的速寫只在記錄某些必要的重點。遍遊這些景點，甚至重複多次的前往，主要是在收集相關的圖像和豐富自我的體驗，景色的記錄則以攝影取代，每次的前往，都經事先周詳的規劃，即使是相同的地點，也會有不同的路線和時段，因此景緻總是不同，或是晴、陰、冬、夏，或是晨起、夕歸，或是徒步、搭船，甚至動用空拍機等。梁震明的創作，帶著高度學術研究的心情，雖寫實景，但回到畫室，則是進行周密的草稿模擬及意象推演，反覆推敲，不斷思辨，務求達於虛凌、超越的意境。
2011年及12年的「海景意象」展，梁震明在以往以墨色為主體的畫面中，加入大片的色彩，這些色彩帶著稍顯誇張、鮮艷的高彩度，反而呈現了某種夢幻的意境；某些作品甚至直接以金色表出，或是紙張的金，或是顏料的金，但當轉化成物象的金，反而虛幻成視覺情感的金，那是一種純粹心象的金，實景、虛境，才是梁震明心中追求的真山水。
2014年展開的「千岩萬語」系列，回到山岩海石的細部描繪，積細成多，氣象浩瀚，以千岩寄寓萬語，是藝術家應物抒懷的本心，部份畫面加入細線的方格分割，益增非實境的畫面效果。
2015、16年的近作，在尺幅上更為開闊，他辭 _教職，專職創作，畫面的細筆寫石(寫實)，幾如僧人的抄經，一筆一念、一劃一覺，梁震明的作品，也因此呈顯接近宗教般的凝定與寧靜。
中國近千年的水墨繪事，在近代而有「學」「藝」分途的隱憂，但在梁震明的身上，我們喜見高度學術研究的精神，如何貫穿、滲透在他的創作之中。戰後1960年代啟動「現代水墨」運動，曾以「革中鋒的命」的自動性技法，翻轉民初或日治以來，以寫實「改革」寫意的路徑，開展出一片暢意淋漓的抽象風潮，中經幾近照相寫實的鄉土水墨，落入寫景不寫情的機械操作。1970年代出生的梁震明，從台灣制式的學院體制中，一路走來，在深沈、穩健的學術操作中，重建了古典水墨的結構與質地，卻同時展現了現代宏觀與微觀兼具、客觀寫實與主觀虛境並呈的絕妙視野，堅實、蒼茫中，透露著一股孤獨、傲然的真氣。那是梁震明特有的墨色台灣、現代山水，隱隱承續著自余承堯(1898-1993 )、夏一夫(1925-2016)一路以降的密實水墨傳統，也是李義弘開創的材料學與物象學研究最耀眼的傳人。
註釋：
1 梁震明〈黑色的覺醒――梁震明創作自述〉，《藝術收藏＋設計》25期，頁132，台北：藝術家出版社，2009。10。
2 同上註，頁133。
3 同上註。
4 參見黃寶萍〈梁震明：層層染點．古墨新研的樸實路線〉，《藝術家》326期，頁236-239，台北：藝術家出版社，2002.7。
5 收入《中國水墨藝術之回顧與前瞻：2003研究生學術研討會論文集》，頁172-183。
【梁震明簡歷】
國立台北藝術大學美術創作研究所畢業。
曾任國立台南藝術大學藝術史系及東海大學美術學系講師。
個展12次，國內外聯展30餘次。
作品曾在香港蘇富比、羅芙奧及沐春堂拍賣成交。
著作「墨色的真相」與「台灣寺廟龍柱造型之研究」獲國立編譯館出版刊行。
現為羲之堂代理之專職水墨畫家。
梁震明臉書粉絲頁：https://www.facebook.com/inkliang/
梁震明痞客邦：http://tom20030208.pixnet.net/blog
梁震明IG：https://www.instagram.com/liang_chenming_art/
本集主題：闇曖之光－藝術創作展
專訪藝術家： 柯幸彤 （柯卉珊）
闇曖之光
「面對陽光，陰影就在背後。」她嘗試透過創作訴說，恐懼並不是來自於缺陷與外在的困境，而是心的方向。能正向面對的人便能超越自己，前往無限的世界。
柯幸彤以創作自敘 經歷黑暗之後必達光明
在創作者柯幸彤的記憶中，小時候她就極度害怕一個人處在於一個黑暗的空間裡，不管父母親怎麼安慰哄勸，當他們一認為柯幸彤睡著了，從起身到關起房間電燈的那刻起，她必定馬上驚嚇醒來，立刻衝去將房門口的電燈開關開起，接著就是不斷地來回抗戰到她真感疲憊而陷入熟睡時，才結束一整晚的黑暗恐懼症。
柯幸彤成長背景較特殊，從小身處在傳統民間宗教家庭裡，因為面對各種法會、道場場景等等所產生的恐懼與不好回憶，進而造成她對於睡覺這件事有極大壓力，並不是睡不著，而是不敢睡，她深怕一睡著，那些看不見的，只存在闇曖世界的魅影，會出現在柯幸彤周圍。因此代表休息的「安靜房間」，卻讓她產生了矛盾、想像、恐懼的心理反應。
透過宗教尋找心之所向
年幼時在鋼琴老師的介紹之下，柯幸彤開始接觸到基督教的世界，在與生長環境完全不同的信仰中，認識了不同於以往的宗教氣氛，並看見存在於黑暗中的光，讓她對黑暗燃起了想克服的勇氣，卻總因為自己的信心不足，導致時常在面對恐懼前便失去了勇氣。
柯幸彤在創作上以「闇曖之光」為題，「闇」字有遮掩的意思，形容詞上則同暗字，因此關燈的房間，就是一個「闇室」，一個遮蔽、淹沒光亮的地方。而「曖」字則有「昏暗、不明」的意思，是她對於一個關上門的房間，從進門到入睡過程中的心情。而白光、明光從來就是黑暗的敵人，一道光就可以劃破黑暗的邊界，照亮幽暗。因此光是她的信心、意志，也是在闇曖世界中尋找的那道劃破黑暗的力量。因此柯幸彤藉由此創作，去跟最不想去面對的恐懼面對面，透過不斷的創作與之對談，讓心中對於光的信仰將不再時而強大，時而薄弱，而是永遠劃破黑暗。
以不同層次的媒材構圖表現內心的變化
以版畫為主要媒材創作，由製版、套色與重複疊印去印刷等過程製造出來，運用紙板為底版或木版所表現的刻紋，並使用不同肌理紋路的現成物、石膏、批土、膠帶、白膠等等媒材，來增加創作上媒材實驗的可能性與效果。製版階段大多以直覺性的在版面上刷或製造出肌理紋路，來完成製版。以凹版裡的版畫調子，表現柯幸彤內心當下最深沉的恐懼心理，再以凸版運用滾筒於紙板或任何版面，進行上墨，再透過壓印機的印製，遮蓋等技法與上述的製作過程，重複多次的來回創作，充分表現柯幸彤出當下，對於恐懼的層層混亂與矛盾的心理狀態。
作品畫面多以滿版的「抽象」造形構成，因無邊框而使滿版有無限延伸的感覺，主要呈現柯幸彤在面對恐懼時，不斷蔓延的焦慮與惶恐不安，相同方式也應用在她一直再追尋的那道劃破黑暗，無邊無際的光。在色彩表現上，一開始色彩風格較為黑暗，是屬於觀看時會感受到一種壓迫恐懼感的色彩，用了大片黑與範圍性的紅色，表達出她的內心，已陷入龐大的焦慮恐慌中。也因為要表現黑暗中的渾沌與微弱的光，作品畫面的配色較為混濁、混亂甚至曖昧不清，到後期系列作品才逐漸慢慢走向較為光亮，用對比強烈的色彩呈現在暗裡的光，傳達她在心境上對於黑暗恐懼的轉變。
透過各種的肌理紋路，例如石膏、紋路紙、寒冷紗等特殊媒材的應用之下，與刀刻後所產生的刀痕，製作出許多不同的獨特肌理版，來表現柯幸彤在每個面對恐懼當下的心理情緒，例如使用寒冷紗來製作肌理紋路，產生出如同紗窗的樣貌，代表此心理情緒從窗而來，而刀痕則代表情緒發洩轉移後的自我療癒過程，並透過凹凸等不同版種，重複套印或者相互併用，以作品來表現出心理上的層次。
由藝術療癒自己 也期盼能鼓勵他人
藝術創作是傳達生活及自我的一種途徑，柯幸彤經由版畫創作不同版種的相互應用，期許其創作能更觸動人心。她以直覺地的版畫創作方式，在紙凹版與木版畫的製版及印製過程剖析自我，在創作進行自我的療程，將自己對於恐懼的情感轉移至創作中，與自我重新對話，得到一個新的療癒契機與成長。也因為創作的能量，將柯幸彤的內心指引到最美好的一面——即是不再害怕的自己，她藉由創作克服恐懼的心理障礙，並在其中找尋、發現那隱藏在當中的光明與重生的自己。
藝術家簡介：柯幸彤
學歷：
2017 畢 國立臺灣藝術大學美術學系版畫藝術碩士班
2013 畢 台南應用科技大學美術學系
獲獎：
2018 金車美展入選
2017 第35屆桃源美展，版畫類，第三名
2016 中華民國第32屆版印年畫-推薦展出
2016 第22屆第22屆國際藏書票比賽-優選
2014 第2屆王陳靜文繪畫創作獎 版畫類- 佳作
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