效果器 串接的八卦，YOUTUBE、PTT、MOBILE01和Yahoo名人娛樂都在討論

{{ 貳. 談談電吉他相關 }}_07

關於『破音』類效果器，應該是電吉他手在解決了吉他、音箱這些基本必要器材配備之後，下一個一定會要關心、但一輩子都始終缺一顆的無間地獄課題了！最困難的是：在入手之前，你永遠都不知道現在入手的這一顆破音效果器是不是就是自己夢寐以求的那一顆 --- 而且有很高的機率，在入手不用太久的時間之後，你就會覺得好像另外一顆才是真正接近自己想要的那個音色 …… 然後重複這個掙扎的迴圈，難脫苦海。

『為什麼別人的破音總是比我自己調出來的好聽？』

施主～那是有原因的。

[二. 電吉他相關器材研討]＿05

想要調校出適合自己、聽者也會喜歡的破音音色，可能首先就要先理解『破音』的生成原理與歷史沿革；『維基百科』的這一篇，雖然只是點到為止、包羅萬象型的概略說明，但對於『Overdrive』與『Distortion』這兩種不容易界定的音色，在構成原理上，有著淺顯易懂的解釋：https://zh.wikipedia.org/wiki/%E6%95%88%E6%9E%9C%E5%99%A8 (當然，如果你願意更深入去理解，以我自己 Google 過的資訊經驗來說，現存的中外網頁內容，應該是相當足夠的)。

然後，我們可以開始思考『好聽的破音』被建構起來的器材組合方式。以我自己的工作經驗，我覺得最好聽的破音，是單純由音箱頭 Drive Channel 前級『塑型』、夠大聲的真空管後級加添的自然泛音所形成的 --- 不論是 Low Gain 或 High Gain；但這麼美好的條件往往不存在於我們的日常生活中，所以，一些對於破音『效果器』的認知，似乎是非常必要的。

我個人認為要能組合、調校出好聽破音的三大關鍵因素，第一，你得先調好『用來搭載破音』的『基礎聲音平台』--- 你正在使用的音箱。在工作的場合中，如果我需要用到場地所提供的音箱 (事實上，這應該是非常常見的狀態)，在接上我的效果器之前，我習慣先把吉他直接接進音箱，將 Clean Channel 調整到各區段的頻率都很適中的狀態 --- 我需要一個平整的聲音平台 (雖然這個平台可能比較沒有個性)，才能讓我的破音類效果器做出比較客觀的反應。

而我在破音的音色取向上，非常喜歡用『推疊』的方式 ( Stacking，這裡有看不完的資訊：https://www.google.com/search?q=overdrive+stacking+order&oq=Overdrive+stack&aqs=chrome.2.69i57j0l5.16781j0j8&sourceid=chrome&ie=UTF-8 ) --- 也就是用『較稀薄』的破音去『推擠』『較厚重』的破音，因此，我習慣將破音分為幾種類型：

A. Gain Booster：這可能是我最喜歡研究的破音類型！一般說來，因為它會去『推擠』後面的其他破音，所以，在這一段的破音程度，幾乎只會用到一點微破的狀態，而這個『微破』的音色，剛好可以為原本很平整而缺乏聲音個性的『平台』，帶來一個清楚的音色、頻率色彩。另外一個重點，是這個器材的 Drive，要能夠非常有『透明感』--- 我在判斷一顆破音是否適合用做 Gain Booster 時，都是將效果器上的破音程度關到接近零、而只用音量、音色旋鈕去作動，來看看它與不啟動時，吉他與音箱原音的差距。許多討論會談到用 Ibanez TS 系列 (https://en.wikipedia.org/wiki/Ibanez_Tube_Screamer ) 來執行這樣的工作，但我覺得 Ibanez TS 比較適合去推動原本就已經是 Mid Gain 以上的 Drive Channel、而不是那麼適合用在 Clean Channel 的染色，因為從我的主觀來說，它並不是那麼『透明』的質地。

B. Overdrive：這是我用來處理 Low gain、Mid Gain 的區段，同樣的，我會很希望這一段的 Drive 要能夠有足夠的『透明感』--- 我會將各廠牌不同型號的效果器 Drive 鈕置中，用分解和絃的彈奏方式，來相互比較每一個音符彼此之間的『黏度』，以及是否還能聽到琴弦本身的聲音來判斷是否適合現在的琴與音箱的搭配，同時也會將放在前面的 Gain Booster 啓動，來看看在較為增益的破音程度下，琴音是否還能維持『顆粒感』。對我來說，『Overdrive』是比較八〇、九〇年代的色彩，而我也是聽著那些年代的音樂同步成長的，所以，這個區段的破音色彩，很自然成為我主要的音色骨幹。

C. Distortion：由於這些年各家廠牌在市場上的競爭，造就了許多新穎的 Drive 音色產出，對我來說，『Distortion』就比較偏向九〇年代之後的聲音，而我也習慣用這個類型的破音來處理 High Gain 範圍的音色。在這個區段，我就會比較著眼在『音色的個性』而不是『透明度』--- 但因為我放在前面的破音族群都是相當『透明』的色系，所以，即便我把這三種破音都一起啓動，整體的音色只會個性更濃烈，而不會『糊』成一團。

這其實就牽涉到調整好聽破音的第二個關鍵因素：不要把效果器上的破音程度開到那麼大！如果你希望你的破音要聽起來很有『迫力』，很有趣的是，不是將破音程度催大，而是要鍛鍊你右手 Picking 的力道，而且還要能保留些許琴弦的『原音』，以及！你應該要注意的細節，其實是 Picking 的那隻手手掌所控制的『悶音』(Muting) --- 通常，那才是音色能夠表現『迫力』的重要技巧。

D. Fuzz：這是我用來處理 Solo 時的主要音色，而且，多年前在接受我的同窗好友林正如先生的指導之下，我已經非常習慣將 Fuzz 放在 Overdrive 的前面，來讓 Solo 的音色，能從 Overdrive 的顆粒感做到 Solo 旋律時所需要的『黏合感』。這樣的置放順序其實其來有自，如果你的確研究了一下破音效果器的發展沿革，就會知道 Fuzz 這個非常早期就開發出來的『怪異音色』，其核心驅動所使用的『鍺晶體』，對於溫度以及訊號的『阻抗』非常敏感，因此，將 Fuzz 放在最接近吉他訊號輸出的位置，比較能表現 Fuzz 濃濁厚重的音色特性；而另外一個優點是：當 Fuzz 放在 Overdrive 的前面、兩者都啓動時，將吉他上的音量鈕略為收小 (Clean up)，你會得到一種非常清脆透亮的微破音色 --- 那是任何一種單獨的 Gain Booster 或 Overdrive 都無法做到的美妙音色！

而這裡，又牽涉到調整好聽破音的第三個關鍵因素：善用你吉他上的音量鈕！如果你看過真正的吉他高手彈奏吉他，幾乎每一位都會在彈奏的過程中不斷調整吉他的音量鈕與音色鈕，這除了因為音樂的動態所做的音色調整之外，你可能很難想像為什麼這些高手好像只用了一、兩顆破音，卻能讓整體吉他的破音有著那麼豐富的層次表現 --- 這一直要到你自己去實際試過吉他音量變化對於 Fuzz 類，或是也用了鍺晶體的 Overdrive 類可以造成的音色變化，你才能領略箇中奧妙。

另外可以一提的是：這幾年我所聽到國內、外很酷的樂團吉他手所設計的吉他音色，非常高的比例，他們的核心 Drive 音色，是用 Fuzz 來思考、而不是以 Overdrive 或 Distortion 來出發 --- 也許，這也可以看做是另外一種歷史循環吧？因為，Fuzz 其實應該是很讓人回想起六〇末、七〇年代的那種氛圍的。

E. Clean Booster：這通常被用做音量的放大，在 Solo 時，你應該會很需要用這個器材來讓聽眾聽到你來自靈魂的吶喊吧！

以上的分類，我在訊號串接的順序會是：Guitar → Fuzz → Gain Booster → Overdrive → Distortion → Clean Booster → Amp Head Clean Channel。這樣的接法，當然只是我個人的習慣；而如果我需要去處理到更為現代、更為極限的破音時，我會在整個 Drive 系列的後面加掛一顆略為削去中頻、加強了低頻與高頻的 EQ 效果器 --- 也就是說，在一般的狀態下，我其實不會把我的破音系調成太過極限的樣貌，而用 EQ 效果器視情況來選擇性改變原本的破音調性。

以我的主要商演器材為例，我的 Fuzz 是使用了 Valeton Red Haze 與 J. Rockett WTF fuzz；前者是比較接近 Fuzz Face 線路設計的傳統 Vintage 風格，後者就是比較現代音色、修正了阻抗反應的近代 Fuzz 產品。在 Overdrive 方面，我選用的是 Carl Martin PlexiTone，這是我覺得非常接近 Marshall 音箱 Drive Channel 的傑出產品；但我請『麥歐西音頻』的鍾孟宏先生，將原本的線路順序做了修改，因此，我可以將它原本放置在最後一個位置的 Booster 改成我的 Gain Booster，而在同一個機體上，我還可以有兩組 Drive 來做為我的 Low Gain 與 Mid Gain。後面接的是 Wampler Pinnacle Deluxe Distortion，它不但有 Vintage、Modern 兩種風格的選擇，還可以有 High Gain、More High Gain 的選項，來處理多種組合的 Distortion 音色。整個線路的最後，是用 Carl Martin Hydra Boost 做為 Clean Booster，讓我的 Solo 音量能夠有足夠的提升。而我所需要的 EQ 效果器，是使用 Zoom G3X 裡的數位式 EQ，以節省整個效果器盤中最珍貴的『擺放空間』。

這些器材都只是符合我個人音色喜好，同時，能處理大多數的業務需求，以及～～～能順利收進一個效果器攜行箱的選擇。其實，在經過了許多年、許多器材來來去去以及不斷調校的實務經驗後，我必須很誠實的說：到了最後，不論你用了什麼器材組合，你會發現，你的耳朵會定義你自己的音色，因此，再怎麼不同的器材，你還是會調成同一種、你自己喜歡的那個音色。

一種『Tone 在手上』的結論。

{{ 參. 談談編曲實務經驗 }}_13

也許你終於選好了幾首很有時代性、經典代表性的曲目，準備打開你的 DAW 工作站要來挑戰這個『一比一拷貝』的鍛鍊任務了！我猜想～你應該就是在你萬用的電腦裡面，打開你所熟悉的編曲軟體，然後…尋找一些音色，憑藉著從這個專頁第一篇文章就請你訓練的聽力，開始要把你聽到的每一個樂音、節奏好好地抓出來，用 Midi 認真地紀錄下來～？

沒有什麼不對！但，我還是想講一個小故事，希望能對於你要開始執行上述工作前，能有一些效率提升的作用：

時間回到九〇年代的華語流行音樂製作環境的專業錄音室裡。那時候在台北最富盛名的幾間專業錄音室，譬如『白金』、『強力』、『雅弦』，每家錄音室的基本結構都大致相同：每一家都有好幾『套』仔細設計、注意聲學響應的『主控室加收音室』這樣的套裝組合，在想像中 ---至少我是這樣以為的--- ，這些『套裝』的錄音空間應該充滿了製作人、歌手、樂手，像是二十四小時不間斷地一直在生產音樂吧？等到我真的有機會開始『涉足』這些場域，我才發現，真正二十四小時不間斷『盤據』在這些錄音空間的角色，其實是『編曲』工作者，而且，百分之九十五以上，都是鋼琴背景或是鍵盤出身的編曲！

這些編曲家們日以繼夜地以錄音室為家，依恃著他們驚人的音樂才華與過人的體力，幾乎都是以『一天一首』(或以上) 為單位，提供了非常穩地的產出、來維持著九〇年代華語流行音樂恐怖的音樂製作產量。

但當時，電腦還是一種尚未普及的外星文化，這些鍵盤編曲家們所使用的『編曲中央處理器』，是一種只用來處理 Midi 訊號的、類似一臺工程計算機的器材 --- Midi Sequencer (樂器數位介面序列機： https://en.wikipedia.org/wiki/Music_sequencer )。這個『序列機』在處理 Midi 這件事會有多悲情呢？請參閱『KB FRONTNET』網頁作者『Mr.Liu』所寫的文章『時代的眼淚，風靡一時，卻驟然消逝的音樂製作產品』(http://www.kb-frontnet.com/archives/1546 )。這些編曲家們的大腦幾乎都是超高速電腦，可以將心裡所想的音樂聲部、音符，瞬間轉換為行列式的數字，鍵入在非常窄小的 LCD 條幕，透過這些序列機的指令來指示現在要由『哪一臺音源』的『什麼音色』，在『什麼時間』用『什麼力度』與『什麼時間長度』來發出『哪一個』或『哪些個』音……

你覺得～一首歌兒的編曲，總共會用到幾種樂器、加起來會有幾個『音』( Note) 呢？

而這些編曲家們是用『一天一首』以上的速度在提供音樂的產出……

不過，這篇文章不是要禮讚這些音樂工作者恐怖的大腦，而是要介紹一下那台『序列機』所『控制』的那些『音色』機器 --- 我們稱之為『音源』( Module)的器材。

這些『音源器材』的源起，應該可以追溯回到早在上個世紀中葉之前就已經研究發展的『合成器』(https://zh.wikipedia.org/wiki/%E5%90%88%E6%88%90%E5%99%A8 )，在經由加入流行音樂產業的過程中，逐步由非常『外掛調整』式的電子線路串接，發展成晶體或中央處理器的『內建整合』式的商用機型。此刻已經慣用現代3C產品的你，可能很難想像、理解，在九〇年代的時候，這些商用機型是如何地巨大、笨重卻又不可或缺！在當時的編曲家們所必須使用的 Midi 音源，每個人至少都有十幾二、三十『U』(https://baike.baidu.com/item/1U )的數量！那是什麼概念呢？我勉強用自己為數不多的器材、與網路上所能搜尋到的圖片，列為圖1與圖2，來解釋一下這些類似『冰箱』大小的機器群，是如何圍繞在這些編曲家們的身邊！

而這些『商用型音源』，從最初的『加法』、『減法』合成器運算開始，就致力於摹仿真實樂器的聲音，隨著運算技術的發展、進步，這些『合成音源』在九〇年代，就已經能夠提供非常華麗、擬真的真實樂器音色，以及非常豐富、大概只存在於外太空、異世界的奇幻聲響，而這些卓越的音色，為全世界的音樂工作者提供了充沛的能量，進而迸發了整個九〇年代多元而瑰麗的流行音樂文化。

然後更新、更厲害的技術出現、成熟了！樂器的音色不再只是依靠波型運算、組合去『模擬』，而是利用了『實際錄製』的方式，產生了『取樣音源』( Sampling) 的器材 --- 『取樣機』( Sampler)！

我第一次聽聞而被驚嚇不已的取樣聲音，其實只是一個 Bass 樂手在彈奏過程中常常會用到的情緒性手法『Slide up & down』(https://www.youtube.com/watch?v=Te7YULZA2kc )而已，真的只是『而已』！但在那個用『模擬運算』的合成器年代，那一聲惟妙惟肖的『Slide』，在我面前昭示了下一個世代風起雲湧的前兆！

果然！錄音室裡的編曲家們突然之間在原來的『冰箱機櫃』裡，紛紛加入了最新的取樣機種，譬如 Roland S760 (http://myweb.tiscali.co.uk/clouzeau/s760/ )、或是後來的取樣機王 Akai S-6000 (http://www.vintagesynth.com/akai/s5000.php ) 這一類的重兵器。但麻煩的是：當你使用任何一種取樣音色，你都必須將這些音色『叫進』( Load) 器材中的『存取記憶體』( RAM) 裡面，才能透過 Midi 去指揮它來發生音樂上的作用；這裡面的問題是：

1. 先別管在當時每個取樣音色實際上有多大的資料量，先看一下最厲害的兩個取樣機材產品的 RAM 配置的大小：Roland S760 原廠配備的 RAM 是 2M，最大擴充量是增加到 32M！是『M』喔！而機王 Akai S-6000 的最大擴充量是 256M！這個意思是：你以為能叫進多少種了不起的音色？

2. 好！也先別管可以叫進多少音色了，就說你今天想要一組非常真實的絃樂好了！你就得把與絃樂有關的取樣音色一個一個叫進來、用 Midi 鍵盤試彈一下是不是你想要的情緒與顏色，萬一很不幸叫進來的音色不甚理想，你就得將這個音色從 RAM 裡刪除、以節省記憶體的用量，然後重複這樣嚐試音色的動作，一直到找到你想要的音色為止 --- 然後天就黑了、也該睡了！

而這些偉大的編曲家們除了添購取樣機材的硬體之外，也一定會購買最新、最厲害的取樣音色，來讓自己的編曲內容一直有著他人無法企及的優異音色，這一買…音色的種類很快就成千上萬種地累積上去，而國外廠商死命地出版新的音色來擴大市佔，音樂家就不斷的買、再買……

故事的背景描述大概就是這樣的時代場景，而故事是：

大約在2000年前後的某一天，我走進編曲家鍾興民先生剛進駐白金錄音室的編曲工作室去拜訪老師 (前面提到編曲家們盤據在錄音室，但常常，會因為製作人所選定的錄音室有所不同，以致於編曲家必須帶著那些笨重的機櫃逐水草而居式地在各個錄音室間流動，像鍾興民 Baby 老師這樣固定『包』下一間錄音室的做法，在當時可算是首屈一指！)。還沒走進錄音室裡、在外面就聽到 Baby 老師在試著各種取樣音色；我心想：『不知道老師今天是編誰的案子？不如趁機來偷學一些招式！』。等走進之後、問過了老師，Baby 老師的回答是：『今天就是來聽音色、寫筆記的！』

[三. 關於編曲開始前應該要會的幾件事]_02 建立、認識你的基本音色

我不知道目前你的編曲實力與實例到了什麼程度，但我猜想，每一次當你要建構你的編曲時，你花在尋找音色的時間，恐怕是相對非常沒有效率的。在本世紀初期，取樣音色的種類爆炸式的產生、而且還沒有轉換成電腦可以直接匯入的格式之前，臺灣最傑出的編曲家鍾興民先生，每天都會花一定的時間去仔細研究他手上買進來的取樣音色片，對每一個音色做適當的筆記；他說：『你聽過了，腦海有了印象，之後有什麼編曲需要什麼樣的音色，找起來就快了！而且，常常音色自己會給你很多的刺激，你就會被激發出不一樣的想法、點子，譬如~~~』，然後老師就很開心地示範了隨便一個音色，彈出了我反正永遠也學不會的句型與節奏……

但，那一天我該偷走的東西，我非常有禮貌地一定就偷走了。

時間轉換到今時今日，電腦科技的神速發展，把當年對於那些編曲老師們的麻煩事兒都精簡到難以想像的程度 --- 隨便叫個幾『G』的取樣音色到編曲軟體裡，根本只是一根手指的事～而且理所當然！那麼，我真的會非常建議你，不論你的手上現在有多少音色，在你每一天的空檔裡，盡可能地去認識、理解這些音色 --- 我的意思是：現在的音色設計，比起當年更多了許多精細、精緻的音色控制參數，這些看似複雜的參數數值，請花一些時間、透過便捷的網路資訊獲取方式 (譬如 Youtube 看都看不完的教學示範)，來增加你對於音色的掌握，這對於你日後要在大家都可以有的音色資料庫裡脫穎而出，有著難以估計的巨大作用！

回到我們應該要練習的『一比一拷貝』；如果你是使用 Mac 的電腦，你應該可以用相對低廉的價格，購買到『Logic』相關系列的編曲工作軟體，這個系統裡，也內建了不少足堪使用的取樣音色。但如果你秉持著『工欲善其事，必先利其器』的觀念，想要進行下一步的音色升級計劃，我對於這樣的計劃有著一些小小的建議。不過～有三點需要說明一下：

1. 以下建議的音色方案完全不是來自『業配』的概念，而是我自己這些年來在 DAW 編曲系統下所實際使用過的建議，這些建議都符合業界工作標準，但不見的是所有專業編曲工作者都一定認同的選擇 --- 這些，只代表我自己的立場。

2. 『一次購買到位是最節省的採購方案』，一位青年樂手分享了這個觀念給我，我經過個人慘痛的反面實驗後，對此建議驗證無誤！所以～這些建議方案也許不是全然從定價合乎人性的角度出發。

3. 這些建議不會涉及任何精確的使用解說，相關進一步的資訊，我相信網路上一定有足夠的說明可供參考，還請自行發掘。

以下是我在 DAW 工作環境下，取樣音色或相關 Plug-in 軟體的建構建議：

1. 就『一次性』能有各類型高水準的取樣音色選擇方案，我會建議選擇『NATIVE INSTRUMENTS』所出的『KOMPLETE 11 ULTIMATE』(https://www.native-instruments.com/en/products/komplete/bundles/komplete-11-ultimate/included-products/ )；特別是這其中會包含的『KONTAKT 5』這個『Sampler』控制介面，應該是現在最通用、方便的取樣控制器了。

2. 如果回歸到建構一個『Combo Band』所需要的基本節奏組，在鼓組的音色選擇上，我會建議：

a. 同樣來自『NATIVE INSTRUMENTS』出版的『BATTERY 4』(https://www.native-instruments.com/en/products/komplete/drums/battery-4/ )，這套音色較之先前的版本，除了有很好的『原聲』鼓組之外，新增了許多更符合現今流行的電音鼓組音色。

b. 來自『TOONTRACK』的『SUPERIOR DRUMMER 3』(https://www.toontrack.com/product/superior-drummer-3/ )，可以研究一下這套取樣音色的錄製用心程度。

c. 來自『STEVEN SLATE DRUMS』的『STEVEN SLATE DRUMS 5』(http://stevenslatedrums.com/ssd5/ )，事實上現在的市場版本是『STEVEN SLATE DRUMS 4』，但因為廠牌擁有者本身對於『鼓組』音色的調校能力，讓我非常期待會在今年更新的第五版。

而在 Bass 的音色選擇上，我的第一推薦是在九〇年代就推出傳奇取樣音色『Bass Legends』(https://www.spectrasonics.net/products/legacy/basslegends.php ) 的『SPECTRASONICS』所升級研發的『Trilogy』(https://www.spectrasonics.net/products/legacy/trilogy.php )，它在編曲的元素上所提供的豐富性，是其他廠牌所難以超越的。

而『SPECTRASONICS』這個廠牌所出版的另外兩個絕殺產品『OMNISPHERE 2』(https://www.spectrasonics.net/products/omnisphere/index.php ) 與『STYLUS RMX』(https://www.spectrasonics.net/products/stylusrmx.php )，應該也是 Synth 奇幻音色類，與節奏 Loops 類音色中的翹楚之做！

但另外還有一個來自中國品牌『AMPLE SOUND』所研發『AMPLE Bass』系列 (http://www.amplesound.net/en/index.asp )，整個取樣所涵蓋的資料量非常驚人，而其所使用的運算法，在歐洲市場似乎是穩坐第一的寶座。另外，這個品牌所製作的吉他系列，其細緻的程度，也實在誇張得可怕：https://www.youtube.com/watch?v=AcwbH9LwLZk

3. 關於想擁有足夠聲音表情的管弦樂組音色，我想～應該可以考慮『IK Multimedia』所製作的『Miroslav Philharmonik 2』(http://www.ikmultimedia.com/products/philharmonik2/ )這套鉅作！

4. 因為我假設你會是吉他手，所以吉他類的聲音，應該會是直接用真實樂器來錄製，因此，除了前述的『AMPLE SOUND』系列以外，沒有什麼特別要推薦的；而如果你是鋼琴背景，我覺得你應該會去選購一臺音色與觸鍵都接近真實鋼琴的主控鍵盤，因此～似乎也不必班門弄斧了。

5. 但對於整體音色控制與處理上所需要的效果器類的 Plug-in 軟體，我會建議可以考慮『SLATE DIGITAL』所推出的『Everything Bundle』方案 (http://slatedigital.com/our-store/ )，這個品牌除了致力開發真空管、『Vintage』類型器材的模擬運算技術之外，它所提供的『月租型』方案，我覺得會是未來數位樂器世界的一種主流消費思考模式！

以上。

當然！音樂不必然一定要建立在奢侈的音色追求上，但如果我們一切努力，都是在未來期待能與業界接軌、不致脫離世界的主流標準太遠，那麼，在年輕的時期省吃儉用來投資在必要的『生財工具』上，我想，應該也還算是一種合理的自我要求吧？

祝～一切辛苦，都能有所回應！

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後記1. 在九〇年代的那些硬體音源，從現在的科技條件看來，當然有些落後、甚至不值錢了 (這一點，從現在這些器材的殘值大概可以有『一葉知秋』的體會)；但一直到現在，我在自己的編曲裡、特別是在節奏組，我還是常常將硬體音源與軟體音源混用，來彌補軟體音源常常會有的一種缺乏『實體音像』的問題。

而我現在還在使用的硬體音源，除了前述的 Akai S-6000 與 Roland S-760之外，還包括同樣是 Roland 的 JV-2080 (含擴充音色卡)、XV-3080 (含擴充音色卡)，以及一些『E-MU』這個品牌的 Synth 。

後記2. 我應該沒有提到當年那些編曲家們投資在硬體音源上的金額吧？我覺得…你應該也不會想知道；但我可以說：如果我們把前面所建議的軟體音源都買下來，那個金額比起當年的那些老師每個人投下去的數字，大概只有十分之一吧？也許可以這樣看：現在投入編曲工作的『入門門檻』，其實是很有人性的。

後記3. 因為書寫這篇文字，就順便翻出當年開始聽音色、寫筆記的一些紀錄，也算是對青年時代的一種回憶吧～～～

{{ 貳. 談談電吉他相關 }}_06

如果說到『居家的電吉他練習』器材，我會先假設你的房間就是很正常的居家空間 --- 該有的書桌、衣櫃與床鋪，關上房門還是聽得到家人吵架的那種再正常不過的環境。在這樣的環境裡，意味著如果你想用很正常的音箱工作音量來練習，恐怕那就是引發家人吵架或鄰居抗議的主因；因此，許多市場的產品，包括前幾週聊過的『IR』型器材，大多都附帶了耳機輸出的功能，讓你可以在幾乎不發出任何干擾他人聲響的靜音方式下進行練習。

不是不可以，但我們可能要先有一個觀念：電吉他這項樂器，必須包括琴與音箱所共同發出的聲音，才算是一個完整的樂器。在我很年輕的時候，『彈吉他』這個生涯規劃其實並沒有得到家人的認同與支持，因此，當我應該要練習彈電吉他的時候，我甚至會只用電吉他本身撥弦所發出來的聲音 (沒有接上任何其他的發聲裝置) 就直接來練習 Pick 撥弦的音階爬行速度；一段時間之後，當我有機會可以接上『別人』的音箱來彈奏時，才突然發現我以為可以的撥弦，在音箱放大之後，會顯得非常的骯髒、混濁。為了解決這種狀況，我開始試著用類似 Zoom 9002 (https://www.zoom-na.com/products/guitar-bass-effects/guitar/zoom-9002-advanced-guitar-effects-processor ) 這種可以帶著耳機、還附有 Click 的器材來練習；又過了一段時間，當我還是用著『別人』的音箱來檢查我的練習成果時，才發現我很難在音箱放大的狀態下，讓我的撥弦有著應該要有的輕重動態。

我花了很多時間、試過許多方式，希望在不引發家人前來敲門罵人的狀況下，來增進自己在彈奏電吉他的技術與表情；到最後我不得不承認：如果你無法從音箱直接聽到你彈奏的即時狀況，你就很難有效率地達到該有的練習成效。

也許你比我幸運：家人並不反對你彈吉他；但～如果你在凌晨一點以後，還是希望能聽到從音箱發出來的聲音來進行練習矯正，我不覺得周遭的鄰居會因為知道你未來很可能可以成為偉大的吉他英雄而願意長時間地忍耐你的練習。

所以，你會需要一些必要的器材，來解決這種兩難的局面。

[二. 電吉他相關器材研討]＿04

我對於器材的選購，區分為三種不同的目的取向：1. 必要的練習工具 --- 這應該就是今天想要討論的標的。2. 生財工具 --- 到了這個階段目的，你很可能要有相當的把握，知道自己所投資的器材，可以為自己帶來合理的收益。3. 玩具 --- 就是你已經付清了『生財工具』的貸款，而且工作也都帶來合理的報酬之後，那種『擁有了絕對很開心，但不能擁有也不會影響工作』的非必要物件。

在『必要的練習工具』清單中，你當然第一個要處理的，就是你手上的電吉他；如果可以，在這個練習階段，我會建議你應該要有單線圈與雙線圈的琴種各一把。你不必然要有品牌迷思，但你也必須知道，『品牌』之所以成為品牌，還是有它一定的道理。

而第二項你該要處理的，當然是吉他音箱！但在這裡，我想給你兩個建議：
1. 盡量選擇『頭、身分離』的 Stack 組合 (https://www.google.com/search?q=guitar+amp+stack&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0ahUKEwjV26u988ffAhULE7wKHRpgBCwQ_AUIDigB&biw=1280&bih=952 )，而不要是 Combo 式 (https://www.google.com/search?biw=1280&bih=952&tbm=isch&sa=1&ei=2ugoXNWsG4KB8wX226DgBA&q=guitar+amp+Combo&oq=guitar+amp+Combo&gs_l=img.3..0i19j0i8i30i19.53279.55389..59127...0.0..0.76.278.5......1....1..gws-wiz-img.......0i5i30i19.eV10Gg7XqY8 ) 的型號。
2. 音箱頭與箱體不見得需要是同一個品牌，而且在價格考量上，我強烈建議要把有限的預算盡量花在箱體 (Cabinet：https://www.google.com/search?biw=1280&bih=952&tbm=isch&sa=1&ei=F-koXKO1NMam8AXrxKrICw&q=guitar+Cabinet&oq=guitar+Cabinet&gs_l=img.3..0j0i30l7j0i5i30l2.177082.187612..190423...2.0..0.76.865.16......0....1..gws-wiz-img.......35i39.AlGmE2BlpkA ) 上。

為什麼呢？因為『箱體』才是決定電吉他整體音色比重最大的器材。它與你手上的電吉他，同樣都可以從『必要的練習工具』一直沿用到『生財工具』的階段；而在這兩個端點之間的破音類效果器、音箱頭以及其他調變系、時間系與空間系效果器，相信我，你一定會因為技術的進步而不斷更新 --- 而且一個不小心，你其實會買了許多你根本不見得有需要的『玩具』。

在箱體的選擇上，我會建議你先購買一個英國或美國製造的 112 Cabinet；如果它的背板可以有拆卸的選項，能夠從 Close back 選擇變成 Open back 的話，絕對是上上之選。而內裝的喇叭單體，建議可以多看一下相關的網站討論文章來評估；但通常先從 Celestion V30 系列 (https://celestion.com/product/1/vintage_30/ ) 開始，應該不會有太大的謬誤。我在十多年前選用了 Bogner 112 close back Cabinet (http://www.bogneramplification.com/1-12-cabinets ) 至今，還沒有後悔過，而它，也的確從每日的練習一直到錄音工作，都扮演著非常稱職的角色。

音箱頭方面，我會建議你還是應該選擇一個小瓦數 (約莫 15～30 瓦) 的全真空管型、帶有 Send、Return 功能的型號 --- 當然！最好的真空管音箱頭線路設計是不應該有『Send、Return』迴路的，因為那會某種程度降低訊號的直接連通而影響音色；但如果考量到我們最重要要解決的『練習音量』問題，我不得不建議你應該要找這種有 Send、Return 迴路的器材。再一次，如果你已經是在考慮『生財工具』或是『玩具』，請不必理會我的建議；而如果你還在『練習』階段，請認真考慮類似 Egnater Tweaker 15W (http://www.egnateramps.com/EgnaterProducts/Tweaker/TweakerHead/TweakerHead.html )、Vox Night Train 15H-G2 (http://www.voxamps.com/nt15h-g2 ) 或 Orange Dark Terron (https://orangeamps.com/products/guitar-amp-heads/terror-series/dark-terror/ ) 這些類型的小瓦數音箱頭。

為什麼是這些款式？因為我發現真正要能有效增進你右手 Picking 『手感』的音色，不是 Clean Tone 或 Heavy Drive tone，而是略帶『微破』的 『Break』或 Low Gain 音色，那樣的聲音，才能在你控制 Picking 輕重時做出適當的『破裂』反應，你才能夠去校正一切撥弦的相關基本動作。

到了這邊，我們應該可以進行每天的練習了？

但我們還沒有解決最重要的音量問題啊！而且這些小瓦數真空管音箱頭，其實很大聲 ……

為了解決音量問體，市場上有許多『音量衰減』裝置 (Attenuator/Load Box： https://www.sweetwater.com/c1117--Attenuators_and_Simulators )；但這一類的衰減裝置大多都是從音箱頭到箱體之間的後級輸出去做處裡，而衰減後的音色表現，從大多數的用戶反應中可以知道其實不甚理想，而且這些器材都所費不貲；但如果單純從音箱頭的前級音量或後級音量去控制，往往又無法讓真空管在適當的工作狀態，而不能得到正確的音色來鍛鍊手感。

我可以建議的簡單解決方案，是在音箱頭的 Send、Return 迴路中，加上一臺可以調整 Master Volume 的數位效果器，在這種接線方式下，我可以讓我的音箱頭後級音量全開、前級音量在音色飽和的工作音量下，用數位音量減量的方式，來得到非常合宜的練習音量。因為數位器材在處理音量輸出的變化曲線，遠比類比式的可變電阻電路要來得平均與圓滑，因此在音量的控制上，能夠有非常理想的表現。

例如相片 1 中，當我用 Tweaker 15W 接 Bogner 112 Cab 時，我選用了非常便宜的 Vox StompLab IIG (http://www.voxamps.com/stomplab ) 來接在迴路中控制控制音量，我 Bypass 了所有有關於音箱模擬的部份，只使用它的調變、時間與空間效果器；在相片 2 中，我在類似 Krank 或 Soldano 這類大瓦數音箱頭的迴路中接上了 Zoom G5 (https://www.zoom-na.com/products/efectos-guitarrabajo/guitarra/zoom-g5-guitar-effects-amp-simulator-pedal )，這個可以同時運作九種任意組合、變更效果器順序，並且搭配了 Looper 與節奏鼓機的器材，讓我能在練習的過程中，得到更多元的工作選項。這兩種數位效果器，除了都有非常平順的總音量控制之外，還都搭載了表情踏板，可以用來指定控制任何一種效果器參數；以及，最重要的是：這些器材都是二手市場常見的、價格非常低廉的工具。

事實上，在這個數位競賽的時代，還有很多類似的器材可以選擇；而這樣訊號串接的音色表現，可以讓我在極低的音量下，還能有效訓練我的撥弦手感。在許多個寧靜的深夜，我甚至可以在數位音量只有『1』的設定下，繼續我的練習。

如果你還是一位在學的學生，上面所有提到的物件，除了電吉他之外，對你而言都仍然還是一個不小的負擔的話，你可以參考一下相片 3。這裡展示的核心器材是 Hotone 的 British Invasion Mini Amp Head (http://www.hotoneaudio.com/products/nanolegacy/Amplifier1/2016/1114/184.html )，這個類比前級、D類後級放大的 20W 音箱頭，所表現模擬 Vox type 音箱的微破音色，真的非常可圈可點。而迴路中串接的是 Zoom MS-50G (https://www.zoom.co.jp/products/multistomp/zoom-ms-50g-multistomp-guitar-pedal )；我在 MS-50G 六個效果器組合的最後一顆，設定為『LineSel』，這個位置可以讓『LineSel』這個效果器像是兩組的音量控制，我可以在『Off』的狀態設定一種音量、在『On』的狀態設定成另一個較大的音量，來讓它產生類似 Solo Volume Boost 的功能 (相片 5) --- 當然，它可以將音量控制在非常低的範圍。單以 British Invasion 與 MS-50G 這兩個器材的二手價格來說，絕對是學生所能負擔，並且表現極為超值的選擇。

再一次我想強調，你應該要能從音箱箱體聽到你所彈奏的內容，這樣的練習才真的能達到功效；但因為我們都還在『練習』的階段，而且還必須突破客觀環境的限制，所以任何可以有效幫助我們達成練習目的的工具，我們都不必預設立場、而應該多方嚐試。我當然希望在孜孜不倦的練習之後，我們很快就可以進入到『到底應該投資哪一種生財工具』的階段，只是，在那之前，本文所提供的建議，都是些可以一試的折衷方案。

在相片 3、4 中，除了 British Invasion 與 MS-50G 這兩個器材之外，主要是一些 Drive 類效果器的搭配；下一次，我們就來聊一些我自己覺得可以分享的 Drive Pedal 串接的心得與想法。

然後，2019年就到來了。

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2:39 綜效和音箱的EQ平衡
3:31 效果器接音箱前還是後？
4:25 電源分接
5:33 效果器要接音箱的High還是Low？
7:41 用音箱頭還要箱體模擬？前後級？
8:54 音箱、效果器、箱頭、DI的串接
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