關於 #碼頭姑娘 的製作,很多朋友私訊表示無法轉,所以我只好把文字部分再貼在這一次。
說真的,這是首自己喜歡的好作品。無論有什麼紛紛擾擾。
#還願Devotion 原聲帶上架,雖然不好意思再打擾各位,但請容我以單曲製作人的身份公開跟所有參與 #碼頭姑娘 的辛苦工作人員致謝。沒有他們的幫忙就不會有這一首好歌的出現。不知道有多少人希望私人臉書不曝光,以下我就不tag了。
首先謝謝還願製作人江東昱寫的好詞,作曲家楊適維的好旋律。也謝謝大人歌手何夏、小孩歌手劉芷融情緒飽滿的演唱。提到了歌手,我不得不說配唱指導陳威宇在錄音室現場調整歌手唱腔調整的非常的好,在情緒、呼吸點的調整之外,也帶入了很多年代感特有的唱腔技法,讓這首歌在主唱的部分有非常亮眼的表現。
在編曲上,因為在編曲之初我就決定了要用復古電影和歌曲的方式來呈現,而這樣的作品用midi處理是不夠細膩的,所以我認為錄製一個中型的弦樂團非常有必要。在我編完曲子之後,我邀請了在管弦處理上非常好的松本在人先生幫我把弦樂部分做了更好的調整,在過程中也謝謝他對這首歌曲的付出和幫忙。附帶一提,松本先生目前也跟我合作另外2個遊戲,這幾個月很快會公開進一步的消息,請各位期待。
錄音的部分,謝謝德國的Dynamedion錄音公司幫我安排了19人的弦樂團在匈牙利的Studio 22錄音,謝謝David Christiansen先生在錄音前後居中協調了不少事務也飛到了匈牙利一趟,沒有你們幫忙,我想碼頭姑娘的弦樂不會有這麼好的效果。
在編曲時我大致的想法就是在歌手唱的時侯,編製或是演奏比較傾向老歌的處理法,而歌手不唱時,音樂緩緩地滑進如夢似幻的老電影裡,這種時間空間不斷流動的做法事實上在錄音跟混音時都有很大的挑戰,尤其在弦樂團的錄製上更是有許多需要溝通的部分,總之,非常感謝匈牙利的樂團大力的幫忙。
另外,也謝謝李孝祖大大在錄vocal時的幫忙,身為一個配樂家,我實務上處理人聲的經驗並沒有他這麼多,謝謝他在錄音時的幫忙。
謝謝曾經錄過鄧麗君的小城故事的鼓手,也就是音樂界公認的鼓神國寶老師-黃瑞豐老師特別來跨刀碼頭姑娘的錄音。事實上60-70年代最具代表性的歌手非鄧麗君無疑,能夠請到真的錄過鄧麗君作品的音樂家來協助錄音,我想對音樂的加分的確非常的大。我記得我跟黃瑞豐老師第一次針對碼頭姑娘的錄音做討論時我人在日本,我就坐在東京鉄塔的旁邊,一邊看著東京鉄塔一邊跟黃老師說:
這是個恐怖遊戲,我希望能用鼓打出一種內斂而壓抑的情緒,是一種說不出的痛苦裡面帶著解脫的感覺…
黃老師:是這樣子啊,我還沒打過恐怖遊戲啊, 那我們好好的玩一下吧!
大致上就是這種形而上的溝通,一講講了40分鐘,很感謝黃老師的耐心,哈。
黃老師也介紹了他的老朋友,吹過去五燈獎時代的歌曲非常有經驗的薩克斯風老師林業盛先生前來幫我們錄了間奏和第2次副歌的薩克斯風部分。當他在錄音室練習時吹第一個音我就知道,這首歌對了,完全對了。我們做到了。
對,就是這種感覺。
在製作之初,因為從來沒有製作過這麼復古同時又要像電影配樂的歌曲的經驗,所以一直在非常大的壓力之下工作。一個和聲的配置不當,一個聲音的選擇不當,一個錄音take的決定錯誤,這首歌大致就毀了。遊戲的ending theme若是毀在我的手上,那真的就不是說聲抱歉就可以解決的事了。在最後的鼓和薩克斯風錄音完,我才完全擺脫那種如臨深淵也如履薄冰的心情。
那真是非常的開心。
混音的部分,我非常感謝楊敏奇 Micky Yang 老師的大力協助,楊老師是台灣最好的電影配樂混音師,當我說出碼頭姑娘要在短短4分鐘之內切換好幾個時間空間的想法時,他說:
好啊,來玩玩看啊…
於是我們就在強力錄音室聽了一堆鄧麗君的歌跟一堆老電影的歌,最後楊老師一共弄了十多個小時才把這首歌的混音搞定,結果跟返校的原聲帶一樣,跟染上了什麼奇幻的魔法一樣好。
這就對了。我當時想。
最後謝謝 赤燭遊戲 - Red Candle Games的信任,把遊戲的最後一關字幕關交給我來防守,也恭喜 #還願Devotion 得到了很好的成積。
以上。萬分感謝。
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人聲 轉midi 在 黃中岳談吉他 Facebook 八卦
{{ 伍. 談談樂手教練實務經驗 }}_08
首先,我想先解釋一下為何我在上一篇文章提到對於年輕樂手耳提面命『 一. 未來的音樂產業一定是一個團隊合作的產出模型;二. 真正能支持你們的金錢收入,一定是與版權相關的稅收、而不是越來越低水位的論件計酬』的原因:
有時候我會好奇:為什麼我認識的音樂前輩們,可以在他們的音樂生涯中完成了那麼多的作品,而且每個人除了各自的獨門絕技之外,好像同時都還會好幾項不同的職業技能!我對於前輩們在時間運用與管理的高效率,總是覺得不可思議。
不過,其實答案非常合乎邏輯:他們嶄露頭角的年代,還沒有網路。
因為沒有網路那些吸引人廢寢忘食的豐富內容,這些前輩們反而更能專心致志在音樂的學習和創作,而當網路開始成熟發展的時候,這些前輩們完成的作品,因此能夠被更多以前無法觸及到的受眾所認識,將他們原本的群眾基礎拓展得更無遠弗屆,這樣的時間軸所呈現的事實是:後來的音樂工作者要能追上前輩們已經建立的成就,困難度越來越高。
而且這條發展的時間軸已經完全不可逆了。
在這個網路高度普及的時空裡,我們每個人、每天,都要因為花在『瀏覽資訊』的若干時間而排擠掉原本可以應用在音樂學習與創作的份量。整體來說,在正常情況的推論下,我們單一個體的『技能磨鍊』,當然無法與前輩相提並論;而如果我們還希望能與前輩們『同場競技』,我唯一能想到的方式,就是用團隊合作的概念,將每個人在有限時間內可以強化的不同專業技能整合在一起,也許還有一較長短的可能。
舉例來說,這個市場環境與客觀真實世界的條件,已經很難再培養出一位像鍾興民先生這樣十項全能型的音樂家、音樂工作者了!但,如果我們要找到一位鋼琴彈奏水準接近鍾興民老師的演奏家…好像還可以有一點機會;要找到一位節奏創意與表現接近鍾興民老師的鼓手、 要找到一位律動掌握與和聲學觀念接近鍾興民老師的貝斯手、 要找到一位旋律觸感、美感接近鍾興民老師的曲調創作者……凡此種種的單一專項音樂家,我覺得都還可以有這樣的機會;而這些傑出的單一強項的音樂家們如果可以在一位『音樂理解與想像力水準接近鍾興民老師』的製作人,有效的統合之下,所呈現出來的音樂質量,它當然不會像是鍾興民先生的樣貌,但整個音樂織地與內涵,應該也不會相去過遠。
我們本來就不需要、也不可能再複製一位『鍾興民老師』,但我們的音樂產出,很可以有多些『鍾興民們』的方式與水準,來讓消費受眾知道、相信,臺灣,還是有新一代的音樂家們,有足夠的資格繼續傳承前輩所開創的音樂江山!
問題是:這些人…怎麼找?
[一. 漫談樂手教練的心裡話]_08 『環境』與『人脈』_03
從早年在『當代樂手』這樣的專業音樂論壇 (https://modernmusician.com/forums/index.php ),一直到相關的樂器行店面,所有有志於音樂行業的年輕人,一定都看過、或自己張貼過『音樂徵才』、『樂手被徵』的相關資訊。早年的我們為了要『湊』出一個『Top 40 Band』到當時風頭正健的 Pub 去演出賺取金錢,整個樂手組『徵求』與『應徵』的過程,除了『口耳相傳』的人際討論、詢問方式之外,其實也沒有什麼其他選擇;而好不容易聯繫上的樂手,還得在團練室練過幾首曲目,才能真的知道『江湖傳言』到底有幾分為真。終於,好像可以上路去實踐『音樂謀生』的夢幻理想時,卻又往往因為『人』的個性、氣味等等問題,讓一個『一切以商業為導向』的工作團體,常常根本維持不了太長的氣候……
雖然我距離那樣的生活形態已經很遠了,但看著臺灣年輕樂團的聚散,似乎這整個生態環境在過去的二、三十年間,也沒什麼根本性的改變。說到底,音樂人都有著若干別人無法理解或碰觸的脾氣,要想把一群很有才華的音樂家整合在一個『音樂行動』中,看起來好像很理想,但實際執行的難度,真的沒那麼容易。
『如果有一種人脈系統,可以搜羅到現在樂手市場上各種專長的音樂家們,我們可以很清楚地看到他們各自的資歷(而不是靠江湖傳言) ,在【任務導向】的前提下,我們只要短期合作,共同完成一個音樂行動,因此~每個參與者都只依靠自身的專業能力呈現,而不牽涉個人【神聖不可侵犯】的私領域,這樣是不是比較有機會做初步的整合?而在短期合作的過程中,真的感覺到某某某、誰誰誰的氣味與我比較相投,再來考慮【攜手闖江湖】,這樣是不是比較可行』?
換成白話文就是:『如果有一個【可信的】樂手104人力銀行,讓我可以很快就找到幾位樂手去參加一個音樂祭的演出,會不會有『未來』?再說啦!搞不好還真的可以搞出一個比較認真的創作團繼續玩下去喔!』
我覺得理想極了!只是~誰要來做出這樣的系統?
誰做的系統你會願意相信?
轉換到音樂製作的場景,這一類型的『人才需求』,好像也一直是有志進入音樂產業的年輕朋友的共同困擾:『誰能幫我來完成我不擅長的那一塊呢?』在整個音樂製作過程中,到底會需要哪些『專業科目』的夥伴來協助你完成一個作品?容我引述一位年輕創作朋友在深入瞭解了『流行音樂產業』之後,對於整個生產鍊的簡明描述:
『 你有想過,一首歌曲是怎麼開始生產出來的嗎?流行音樂產業【以往】的模型都是由唱片公司出第一筆資金,也就是唱片公司是發起人。如果藝人是創作者,會從一首選定的詞曲開始;如果藝人本身沒有寫歌,唱片公司就會開始收歌,在經過各種評議過程,最後會有一個詞,一個曲;假設這是兩個不同的創作者,就會有一個作詞人,一個作曲人,這可以界定為一首流行歌曲的起點。
當唱片公司有一首詞曲後,下一步會先找到一位適合擔任這首歌的製作人,在製作人構思他想要呈現什麼樣的曲風後,會找一位他認為適合的編曲人進行音樂樣貌的建構;完成編曲後,通常編曲者會把原先用 MIDI 確認或示意的音樂內容過成一道一道的 Wave 聲音檔 (Audio Track) ,如果有需要錄真的樂器,就會尋找適合的幾位樂手,接洽一個錄音室訂幾個錄音班,接著會有一位錄音師,把這些樂器聲音盡可能好好地收錄下來。當所有樂器都錄完了,編曲或製作人會協同錄音師製作一個將所有音樂內容音量與樂器擺放位置做大致調整的 Rough Mix,它的功能像是一個【伴唱 Kala】。接著歌手同樣進到一間錄音室由一位【配唱製作人】指導歌手怎麼演唱這首歌,藉由錄音室裡錄音師的專業技術,把歌手的聲音盡可能最好地錄下來,並且做最重要的【人聲編輯】。接下來會有一、或數位合音,編寫適合這首歌的合音,而合音也會在一間錄音室,由一位錄音師,把他的聲音好好地收錄下來。
當這所有 Wave 聲音軌道都一道一道好好地完成後,所有的 Wave 檔案都會被轉交給一位混音師,他會在一間專業的混音錄音室把這些軌道都做必要的頻率、空間定位處理,組合成一個歌曲的樣貌,轉換成一道 Stereo 的 Wave ,然後這一道 Wave 檔會再交給另外一位母帶後期工程師,他會在另外一種專門處理母帶後製的錄音室,把這首歌的頻率做更精細的微調與音量的控制 (Mastering)。而完成的母帶,在送交壓片工廠大量生產,最後,成為我們聽到的音樂成品。以上,就是一首歌的基本製作歷程。』
你可以計算一下,在傳統的音樂產業中,要完成一首音樂成品,會需要有多少類型的專業人員、有多少錄音室來參與。
如果你的音樂專長只是整個生產鍊的某一個部份,而你又很想完成整個的音樂製作,你要用什麼方式來補足你所缺少的拼圖?
『……其實~我現在就可以用一臺電腦做完你上面說的所有事耶!而且我放在 Youtube 上,點擊率還很不錯喔~』
那麼,點閱你的那些數字,付費來支持你的音樂製作了嗎?
提筆書寫這些過往工作經驗的現下,我也一直思考、觀測在不同世代對於音樂創作、製作的種種不同需求,我不全然覺得新世代一定要遵循『傳統古法』來產出音樂,但『鑒古知今』,從傳統的認知中汲取出其中的精華,佐以新時代的科技工具,也許是這個混亂的市場中,一種另闢蹊徑的方式。我相信現在有許多傑出的年輕音樂人,絕對可以以一己之力就完成整個音樂;但我的問題是:『如果能有機會與其他的音樂家合作,你一定不想要嗎』?
而什麼樣的方式,才能讓這些音樂家『合理』而『公平』地在一起合作呢?
(未完待續…… )
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後記1. 今天的這張照片,是在20180518向晚,林生祥先生『唱南方』音樂會@淡水雲門彩排時的一張倒影。上一回來雲門,是執行吉他大師 Steve Vai 的一個私人行程音樂會,當時就覺得這個場館實在優美得不似在人間!這一次很榮幸參與了生祥的這個音樂會,彩排將要結束前,館外的天光漸漸收暗,剛好與場館內的燈光取得一個微妙的平衡,能讓舞台的景象倒映在場館的玻璃帷幕上、又還能一覽館外的綠景;看起來,像是一群在『森林中的音樂家們』。
『音樂是人的表現』,而能夠與這些傑出的音樂家一起進行『人』的交流,我覺得那才是『音樂』這一門藝術應該存在的最好理由。
後記2. 籌備多時的『鼓手甄選』,在這篇文章公佈的同時,我們正在強力錄音室熱烈地舉行著!將近二十位來自各個不同年齡、閱歷的鼓手們,會在這個『音樂製作聖地』展現他們各自的才華。我沒有在先前告訴他們,這一次的徵選,不只有戴佩妮的新計劃所需,其實還有另外兩個以上的製作系統也會一起尋覓人才。
我說過了:『你永遠不會知道在台下看你的是誰』!
而不論最後甄選結果為何,我都希望這些鼓手們能帶走一些有趣的經驗與回憶,畢竟,這應該是我所知道的流行音樂製作圈第一次有單位聯合起來一起執行這種人數的單一器樂樂手的徵才活動啊!
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{{ 參. 談談編曲實務經驗 }}_12
我們花了很長的篇幅,以『時間軸』的基準,來試著解釋『旋律線』在時間進行中,與另外一條或一條以上的旋律線交疊時產生的『和聲』或『和絃』的概念;然後透過『和聲』或『和絃』出現的時間點,來理解『節奏』產生的效應,又從『節奏』上去討論一些『Groove』、『音樂呼吸』的想法 --- 如果我們都理解了這些音樂構成的基本元素,照理說,我們應該可以很開心地開始去做許多音樂上的冒險與嚐試了吧?
所以你打開了電腦裡的音樂編輯軟體 (DAW) ,然後……就完全不知道要做什麼。
因為,在此之前,我們所試著要去解釋的觀念,其實只是一些『解析音樂的工具』,工具是不會自己產生音樂的 --- 就如同吉他也許是你的工具,但你不去彈奏它時,它只是一件非常美麗而無聲的工藝品;當你開始去彈奏它時,它第一步只是開始發出『樂音』、還不見得是『音樂』,除非,當你在彈奏它時,你的心裡『真的有一些情緒、情感想要表達出來』,那種『心裡真的有話想要說』的慾望,我覺得,才是開始構成『音樂』的起始點。
所以,當你坐在電腦前面 (或懷裡抱著吉他) ,卻有點兒無所適從、不知怎麼開始的那種感覺出來的時候,大概只有兩種原因:1. 我沒什麼想說的;2. 我不知道怎麼說出來。
如果你覺得當下『沒什麼想說的』,我建議接下來的幾個小時,你應該繼續保持肌肉的機械練習,而當你『突然想說些什麼』的時候,這些肌力鍛鍊一定還是會有幫助的。但如果你有著『不知道怎麼說出來』的那種飢渴感,希望今天要說的一些故事,能夠給你不同的切入方式。
打開近幾年金曲、金音獎『入圍』這個基準以上的作品,很容易可以觀察到來自傳統唱片公司系統所執行的案件比例越來越少,而獨立製作的比例越來越高,事實上,『原創音樂』已經是現在音樂工業、環境的顯學,加之以現代電腦技術的開發與普及,人們去完成自己心中音樂樣貌的門檻,相對越來越低 --- 當每一個人都能很輕易地『做出』音樂時,音樂的『價值感』無形中也會越來越低,搭配上現今以『低價吃到飽』的串流放送的音樂獲取模式,真的會正襟危坐地去好好欣賞、分析一首音樂作品的機率…也是越來越低。我如果用一種粗暴的邏輯簡化方式來描述上面這段文字,就會像是:『產出越多的原創音樂,原創音樂會越沒有價值』。
這實在是很荒誕的論述!但如果比對現在的臺灣音樂產值,似乎又好像有一點兒真實的印證。而這個吊詭的現實,至少絕對不是在民國七十八年四月七號、在淡江大學學生活動中心舉辦了『河岸留言』原創音樂發表會的我們所能預想到的。
民國七十八年,臺灣的流行音樂產業已經經歷過『民歌創作』的原創高峰期,而由更有制度的唱片公司系統,將音樂的產值更有效率地放大了;那個時代,盜版翻製的卡帶、唱片雖然同樣也侵害了創作人應有的權益,但還不至於對正版系統產生摧毀性的破壞,而同時,人們生活中娛樂標的的選項也非常有限,所以,『商業主流』性質的音樂路線發展得越來越成熟,人們會願意消費音樂製作物,仔細去聆聽製作物的內容,它所帶來的產業效益是:『音樂是由一群專業工作者所執行』,而這些專業工作者的產出,會帶來經濟收益的正循環,這樣的彼此交互影響,讓臺灣所製作的華語流行音樂擁有了『曾經』的璀璨榮景,而專業工作者也因此打磨出越來越精良的音樂技能 --- 我們可以這樣去解讀:隨著音樂市場的成熟,『音樂技術含量』也成為製作物精良的必要條件。
但事情總是這樣的:任何系統發展得越成熟,越容易有一種『制式化』的習性,特別在流行音樂中,當唱片公司因為獲利目標而提供出越來越千篇一律的商品時,一定會有若干『叛亂份子』想要打破這種發展趨勢、做出一些特立獨行的樣本,來與主流價值一別苗頭 --- 年輕時期的我也做如是觀,所以會與一群志同道合的夥伴走上『原創』的道路。
這與三十年後的今天的你的處境似乎別無二致:我們都試著要在制式化的環境中創造出一些不同的色彩;但如果要去細究三十年前與三十年後的同一種人有什麼不一樣的思考邏輯,我所能看到的是:三十年前我們想『改造』一個系統時,我們想的是『他們會的,我一定要會;而我會的,他們一定不會』。
這意味的是,在當時已經發展得相當優良的音樂技術 --- 不管是錄音的知識、樂器操作技巧與樂器音色的掌控、對於音樂製作物的生產過程,甚至對於音樂發想的創意與執行完成的美學,我都必須要能有當時從業人員的水準要求以外,我還必須要能有當時從業人員所沒有的其他能力!
為什麼需要這樣想?因為~雖然『音樂』是一種無價的藝術行為,但在『音樂產業』中,這就會是一種競爭、生存的條件,它會與世間的任何一種行業一樣,你如果想要勝出,你就是得提高自己的競爭力。
[三. 關於編曲開始前應該要會的幾件事]_01 拷貝的能力
時間回到臺灣華語流行音樂黃金大爆炸的再前幾年 --- 其實如果認真追朔,甚至可以拉回到臺、美還有正常外交關係、美軍在臺的年代,當時為了在臺美軍的娛樂事項,臺灣各地都有著提供美軍休假官兵從事各種型態『活動』的場域 --- 那種光景,就像任何一部描述六〇年代越戰時期的越南一樣,臺灣也不過就是美帝在東南亞的另一個『類殖民』基地。但其中比較正面的影響是:因為這些美軍休假官兵會有音樂玩賞的需求,因此,除了在音樂技術上涵養出一批臺籍樂手之外,其實更重要的是,催生出一種能提供現場音樂演出的『Pub』場域。
雖然後來中美斷交、美軍撤離臺灣,但那些已經存在的樂手與 Pub ,仍然為後來的臺灣消費者提供夜生活娛樂的一種重要選項。回憶起高中前後,位於台北市林森北路附近、雙城街的『Farm House』,可是相當赫赫有名的元祖級音樂表演場域!我還能非常清楚地回想起時不時的晚間,與幾位也是熱愛音樂的同學,身上還穿著高中制服,混進人聲鼎沸、煙薰酒酣的 Farm House,看著小小的舞台上最具威名的『外交合唱團』表演著當時最受歡迎的西洋音樂曲目,特別是看著神級的崔可銓老師沒什麼表情、但手上厲害到爆炸的吉他彈奏,對於年輕時期的我來說,這應該就是從事音樂行業最高的天險了吧!我一直記得『外交合唱團』詮釋『Hotel California』的特殊方式:也許是因為考量主唱的音域,所以在整個有 Vocal 演唱的前面樂段,他們選擇的是降了一個全音的 Am 調,但一進入到最有名的後面一整個 Solo 樂段,就突然將調號昇回原本的 Bm 調,那個瞬間的能量急遽提升,真是一個令我腦充血的興奮經驗 --- 有時候想想,音樂可以給予人的感官刺激,真的要碰到過、經驗過,才能真的知道可以有多誇張!
而像這樣的『拷貝樂團』,因為能提供最炙手可熱、又有臨場感的西洋流行音樂的聆聽經驗,所以許多的 Pub 店家應運而生,提供出更多的舞台來形成一種『現場聽音樂』的消費模式,同時,也為某一個世代的樂手提供了『接觸音樂行業、並且能實質賺取金錢』的第一個工作機會。
當然,因為這是一種音樂職業,所以當你想要進入到這樣的 Pub 、上到舞台去賺取其實相當優渥的工作酬勞,那就不是『我喜歡彈吉他』這樣的狀態可以混得過去的;事實上,在當年想要進入到最有知名度的名店去表演,所有的樂團都處在高度競爭的態勢,而最明確的判定樂團優劣的標準,就是『誰拷貝得比較像』。
讓我這樣說吧:在經過一番苦練之後,吉他手出身的你、我,應該都可以把『Hotel California』彈得有幾分樣子,但就是有其他更厲害的吉他手,可以從音色、樂句的流暢度、推弦的柔軟度與音準,絕對比你更像原版的表現!那還只是說這種本來就很強調吉他的音樂型態。在我退伍之後的幾年間,也與幾位厲害的樂手組過這樣的拷貝團,在全臺各地的 Pub 做過演出賺錢的磨鍊,一開始,我們選的也都是比較以吉他為出發的曲目,在團練過程中,雖然頗有壓力、但也還應付得過去;但很快的,我的主唱 ---高中學弟、在飛碟唱片出了個人專輯的方志耀先生,開了來自『Daryl Hall & John Oates』 (https://en.wikipedia.org/wiki/Hall_%26_Oates )這個重唱組合的『Kiss On My List』(https://www.youtube.com/watch?v=AYUdldNzLNA )以及『Private Eyes』(https://www.youtube.com/watch?v=JsntlJZ9h1U&list=PLud0IvhvKwTD5VI3FjVU4aTUS4o8IrKs_ ) 這一類的暢銷曲時,我突然發現……原來我不會彈吉他!是!這類型的音樂裡都有吉他,但他們彈奏的邏輯與手法,與『Hotel California』是如此的不同,不論是音色或指型、把位乃至於『角色』,以及後來有越來越多與我以前自己在家裡喜歡聽的、練的搖滾音樂型態不同的樂種,開始『打亂』我原來對於吉他的認知,在面對那些音樂曲目時,我完全像是一個白癡!
但那是一個你需要去調整自己的音樂職業,它的判斷標準就是『誰拷貝得比較像』,而那又是一個由五個樂手所組合而成的工作團體,誰表現得比較低標,就意味著整個樂團就是那個低標,也意味著別的樂團可能可以比你更好、更有機會站上那個舞台;而如果你是在當年那樣的音樂工作環境,每個樂團隨便都可能練了兩、三百首這一類的『Top 40』西洋流行音樂,裡面你真的熟悉的音樂曲目可能只有五首、十首,你如果想要這樣的酬勞,你只能埋頭趕快去弄懂那些你不懂的音樂,而且還要彈得就像是原作彈得一樣……
聽起來~好像很沒有價值?特別是以今時今日的『原創音樂』所標榜的『自我實踐價值』看來,這簡直是一種糟蹋自己對於音樂的熱情?
讓我從三個小地方來解釋一下:
1. 華語流行音樂編曲的教父陳志遠先生,當年在最有名的 Pub 嶄露頭角的原因,就是因為他的鍵盤聲部處理得與所有曲目的原作一模一樣,而因為這些聽力與彈奏的鍛鍊,奠定了日後他在編曲領域的驚人實力。(請見: https://zh.wikipedia.org/wiki/%E9%99%B3%E5%BF%97%E9%81%A0 )
2. 目前仍在華語流行音樂產業中持續產生音樂的『五字頭』編曲音樂家,百分之九十九點九九,都曾經在二十到三十歲的階段接觸過這樣的 Pub 拷貝階段,也幾乎所有人都在當時的 Pub 名動一時,擁有極好的現場演出能力。
3. 我如果在吉他的編曲、彈奏上有一點小小的個人色彩,大概是因為我在吉他設計上,比其他同業更多一點在旋律與和聲上的想法,而造成這個現象的原因,就是在練類似『Daryl Hall & John Oates』這類以鍵盤和聲為思考中心的曲目時研究所得的啓發,因此我在和絃把位的選擇、和絃與和絃的連接上,會更靠近鍵盤處理的想法。
我一直認為:音樂是一種表達個人思想的工具,雖說『工欲善其事,必先利其器』,但從工具的角度來說,不論是吉他或是電腦、甚或說到『音樂的法則』,終究是有一個適用的極限,真正重要的,恐怕還是『你想什麼』、『你怎麼想』、『你為何想』這一類的心智活動;但當你『試著要去表達』時,就牽涉到『你怎麼表達』、『你表達得好不好』這樣的評判標準;而當年因為要拷貝得『像』所必須去思考原作的用意與表現手法而累積起來的音樂主觀見解,在我後來的音樂工作執行過程中,一直提供了非常豐富的養分,讓我的想像力在『有所依據』的前提下,仍然能有足夠的自我展現。
我無意對現今的『原創音樂』有價值上的判斷或要求,但我的確會覺得,許多現在的『原創音樂』在技術含量的檢測上,是遠遠不及工業標準的 --- 那像是你急著去說出一些自己的想法,但想法成熟與否、以及訴說的手法純熟與否都不是那麼重要 --- ,我覺得那有一點可惜。其他國內外音樂家的作品,一定有足以取法的地方,關鍵只在於你願不願意靜下心、花下時間,試著透過拷貝的方式,好好地來認識別人的想法,也轉化成自己的能量。
所以,當你有一種『不知道怎麼去說』的飢渴感時,我會建議:找個十首、二十首你知道是『經典』的曲目,用一比一的概念,透過電腦、Midi 的方式,完整地將所有樂器都複刻下來,去理解、學習更好的音樂家們都是怎麼想音樂的 --- 你可以運用的『解析工具』,就是本文的第一段所提到的系統性的方式 ---,而同時,也磨鍊自己在電腦這項工具的執行能力。
因為,我同時這樣去要求了不少的年輕音樂工作者,如果有朝一日他們成為你的競爭者,我希望你不會在這個面向上輸給了他們。
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後記1. 這種『拷貝樂團』的說法,在業界有時也會叫做『Top 40 Band』,意思是執行最流行的曲目拷貝的樂團,更常指的那種工作階段。在國外的說法會比較偏向用『Tribute』這個字眼,可參考:
1. https://en.wikipedia.org/wiki/Tribute_act
2. https://www.collinsdictionary.com/dictionary/english/tribute-band
而有另外一種方式,稱之為『Cover』,請見:https://en.wikipedia.org/wiki/Cover_band ,它比較指的是『翻唱』一個有名的曲目,這其中還帶有『改作』的意涵。如果我可以建議我們在音樂上學習的順序,我覺得把自己所選的曲目先做一比一的 Copy (Tribute),然後試著去 Cover 它,然後去做一個全新的創作,會是很有邏輯與效用的進程轉換。
後記2. 在八〇年代,有許多像是『Daryl Hall & John Oates』這類很強調旋律性的寫作,同時在和絃使用上常有出人意表驚喜的傑出音樂家,行有餘力,不妨去挖掘一下那個埋在歷史理的寶藏庫。
我不可免俗地還喜歡他們其他的暢銷曲目,我想,就一併介紹一下:
Wait For Me~ https://www.youtube.com/watch?v=5zkHLp24Gis&index=16&list=PLud0IvhvKwTD5VI3FjVU4aTUS4o8IrKs_
Maneater~ https://www.youtube.com/watch?v=yRYFKcMa_Ek&index=1&t=0s&list=PLud0IvhvKwTD5VI3FjVU4aTUS4o8IrKs_
其他~ https://www.youtube.com/playlist?list=PLud0IvhvKwTD5VI3FjVU4aTUS4o8IrKs_
後記3. 我因為志耀學弟而認識了『Daryl Hall & John Oates』,今天也因為回想到那個年輕歲月而追憶起我這位太早就下課離去的學弟。
希望你一切都好。
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想找一種軟體可以自動把人聲或是音樂輸入後轉成樂譜(簡譜、五線譜、吉他等等皆可)
找了之前的文章,沒看到類似的功能
不過好像有一篇文章介紹overtrue 這個軟體可以嗎?(它好像只能編寫樂譜)
還是我可以使用哪些關鍵字再查詢呢?或是有其專門的版?
謝謝
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◆ From: 140.112.212.20
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